Vous connaissez le principe. Vous êtes assis sur votre canapé, en train de siroter peut-être un verre cosmopolite, et un jingle familier vous vient à l’esprit. Peut-être que ce sont les verres qui tintent de Cheers. Ou peut-être s’agit-il des premières lignes de The Golden Girls : “Voici l’histoire d’une charmante dame.” Nous les citons constamment. “Yadda, yadda, yadda” ne vient pas de nulle part. Cela vient de Rhoda.
Ces émissions ne sont pas qu’un simple bruit de fond. Ils constituent l’épine dorsale de la culture télévisuelle américaine. Mais avez-vous déjà réfléchi à l’origine réelle de ce format ? Qui a décidé qu’un groupe de personnes se disputant dans un salon était suffisamment divertissant pour être diffusé ?
La réponse pourrait vous surprendre. Il n’est pas né devant une caméra. Tout a commencé dans le noir, avec juste une voix et un microphone.
Les racines radiophoniques de la comédie télévisée
En 1979, le groupe New Wave The Buggles sort “Video Killed the Radio Star”. C’était un hymne accrocheur pour la mort d’une époque. Mais soyons honnêtes sur ce qui s’est réellement passé. La télévision n’a pas tué la radio. Il l’a coopté.
La sitcom doit toute son existence à la radio.
Avant même que le label « sitcom » n’existe, les radiodiffuseurs expérimentaient un type spécifique d’émission. Ils ont qualifié cela de « comédie situationnelle ». Le format était serré. Il fallait que ce soit court. Habituellement, cela ne durait que 15 minutes.
Le magazine Variety a plus tard inventé le terme « sitcom » pour décrire ces émissions. Le nom est resté. Le format est resté. Même la structure de la sitcom moderne – la configuration, le conflit, la résolution – a été perfectionnée par les producteurs de radio qui ont dû peindre des images uniquement avec le son.
La première star de la sitcom
Si vous voulez retrouver la toute première sitcom, il faut remonter aux premiers jours de la diffusion. Le pionnier n’était pas une brillante star hollywoodienne. C’était un immigrant.
Elle s’appelait Molly Goldberg.
Elle a été dépeinte comme une épouse zaftig, aimante et mère de deux enfants. Elle était la bonne voisine de tous. Son émission, The Molly Goldberg Show, ne se contentait pas de divertir ; il a créé le modèle de ce que pourrait être une comédie axée sur les personnages.
Nous considérons souvent les sitcoms comme une invention purement américaine de l’ère télévisuelle. C’est faux. L’ADN a été écrit à la radio. La contrainte des 15 minutes obligeait les écrivains à être précis. Le manque de visuels les a obligés à être intelligents dans les dialogues.
Aujourd’hui, nous regardons Friends ou The Office et voyons l’évolution de ce plan radio original. Mais l’étincelle ? Cela s’est produit des décennies plus tôt, dans le calme d’un studio, avec une femme nommée Molly et un micro.
Où va-t-il à partir de là ? Le format s’est élargi. La durée d’exécution a doublé. Les caméras roulaient. Mais le cœur du spectacle est resté le même. Il s’agissait toujours de la situation. Et la comédie. Et les gens sont restés coincés à l’intérieur.
Des ondes radio aux salons
La télévision n’a pas vraiment fait irruption sur la scène en tant qu’aliment de base familial dès le départ. Bien sûr, les émissions ont commencé au début des années 1930, mais il a fallu la fin de la Seconde Guerre mondiale pour que les ménages abandonnent enfin le cadran de la radio et regardent un écran. Lorsque le décor est devenu un élément incontournable de la maison, les réseaux ont paniqué. Ils avaient besoin de contenu. CBS a embauché Worthington Minor pour le trouver.
Minor avait une théorie. Les courtes comédies de situation tuaient la radio. Les annonceurs les adoraient. Le public les a adorés. Pourquoi ne pas déplacer ce format vers la télévision ? Il a trouvé sa réponse chez Gertrude Berg.
Le modèle des premières sitcoms
Berg était déjà célèbre pour “The Goldbergs”, un énorme succès qui a commencé comme un spectacle de vaudeville dans les Catskills en 1925 avant de migrer vers la radio. Le principe était simple mais efficace. Il suivait Molly et Jake Goldberg, immigrants juifs, et leurs deux enfants dans un appartement du Bronx.
Chaque épisode a résolu un petit problème de quartier. Molly dispensait des conseils, des recettes et de l’humour tout en interagissant avec les habitants. C’était confortable. C’était pertinent. Et cela a si bien fonctionné qu’il est devenu le modèle des décennies de sitcoms à venir. Lorsque Minor a offert à Berg la chance de déplacer ses personnages des ondes vers la boîte en 1949, elle l’a saisie.
Succès de copie
Une fois que « Les Goldberg » sont passés à la télévision, les vannes se sont ouvertes. D’autres réseaux se sont empressés d’attirer leurs propres stars de la radio vers le média en noir et blanc. “La Famille Aldrich”, “La Vie de Riley” et “Lum et Abner” ont tous été créés en 1949. Certains frappent plus fort que d’autres. Mais une chose était indéniable. Les gens voulaient plus d’écrans. Ils voulaient plus d’histoires.
Le pari de Lucille Ball
En 1950, l’industrie était à nouveau en pleine mutation. Harry Ackerman, directeur de CBS, souhaitait adapter “My Favorite Husband” pour la télévision. La star était Lucille Ball. Mais il y avait un piège. Ackerman voulait que le vrai mari de Ball, Desi Arnaz, joue son mari à la télévision.
Les chefs de studio détestaient l’idée.
C’est difficile à croire aujourd’hui, mais les dirigeants hésitaient à l’idée qu’un chef d’orchestre cubain soit le mari d’une Américaine typique. Ils pensaient que c’était trop risqué. C’était une époque où les sitcoms ethniques comme « Mama » et « Amos and Andy » étaient populaires, mais une piste de mariage mixte ? C’était trop pour 1950.
Ball ne l’aimait pas. Elle voulait qu’Arnaz soit à bord. Elle a donc fait ce qu’aucune autre actrice ne ferait. Elle est devenue indépendante.
Création de Desilu
Ball et Arnaz ont formé Desilu Productions. Ils n’ont pas simplement écrit un scénario en espérant le meilleur. Ils ont testé le concept en direct. Ils ont joué un numéro de comédie de style vaudeville de 20 minutes sur la route. Si le public riait, le spectacle avait des jambes. S’ils ne le faisaient pas, il était mort dans l’eau.
La tournée a été un succès. Mais le pilote TV ? Ça a bombardé.
Les personnages ressemblaient trop à Ball et Arnaz. Trop bizarre. Trop précis. Entre Oscar Hammerstein II. Le célèbre parolier a vu le pilote échoué et lui a donné un conseil brutal. Rendez-les ordinaires. Rendez-les accessibles.
Le nouveau jeu de noms
Ils ont écouté. Les personnages ont été réécrits. Lucille Ball est devenue Lucy MacGillicuddy Ricardo. Desi Arnaz est devenu Ricky Ricardo. Ils ont demandé à des propriétaires et des voisins nommés Fred et Ethel Mertz de compléter le casting.
Ce n’était pas seulement un changement de nom. Il s’agissait d’un changement fondamental dans la manière dont fonctionnait la narration télévisée. En fondant la série sur une relation ordinaire plutôt que sur une caricature de célébrité, ils n’ont pas seulement sauvé un pilote. Ils ont construit un nouveau média. Le reste, comme on dit, appartient à l’histoire. Mais la lutte pour y arriver ? C’est la vraie histoire.
“I Love Lucy” n’a pas seulement rejoint la fête ; il a réécrit la liste des invités. Comme « Les Goldberg », il a établi le modèle de la sitcom américaine. La structure semblait familière – famille et amis, travail et maison – mais l’exécution était un tout autre animal. Là où “Les Goldberg” s’appuyaient sur le dialogue, “I Love Lucy” penchait vers l’absurdité. Les problèmes de Lucy Ricardo étaient souvent ridicules. Elle avait besoin de rejoindre une troupe de danse. Elle a dû cacher sa grossesse. Elle voulait vendre du chocolat. Les enjeux étaient faibles, mais la comédie physique était de haut niveau. Lucille Ball était une maîtresse du pratfall.
L’émission a également dicté l’apparence de ces histoires.
Le virage technique
Les deux émissions ont été diffusées le lundi soir. Les deux avaient un public en studio en direct. Mais “I Love Lucy” a été tourné à Hollywood. “Les Goldberg” étaient à New York. Il ne s’agissait pas simplement d’un changement de lieu. C’était une révolution technologique.
Les producteurs détestaient kinescope. C’était le processus standard pour la télévision en direct. Il s’agissait de filmer un écran de télévision. Le résultat était granuleux. C’était ennuyeux. Desi Arnaz et Lucille Ball voulaient mieux. Ils voulaient du cinéma.
Cette décision a forcé l’innovation. Arnaz a conçu un ensemble pouvant gérer trois caméras. Plus tard, un quatrième a été ajouté. Cette configuration multi-caméras est désormais la norme de l’industrie. Cela leur a permis de capturer les performances sous plusieurs angles. Les épisodes n’ont pas été diffusés en direct. Ils ont été édités. Libéré plus tard. Cela a donné de la flexibilité aux stations. Ils pourraient diffuser l’émission quand cela correspondait à leur emploi du temps.
Mais qu’est-ce qui fait réellement d’une sitcom une sitcom ? La section suivante examine le format.
Les demi-heures de télévision ont un rythme spécifique et impitoyable. À l’âge d’or de la radiodiffusion, la structure était plus propre. Des publicités terminaient le spectacle, avant et après le générique. Vous avez peut-être deux minutes et demie de contenu pur sur un bloc de 15 ou 30 minutes. Aujourd’hui, la demi-heure s’est réduite. Les pauses publicitaires fréquentes réduisent la durée d’exécution à 22 minutes. Chaque seconde compte.
Cette compression exige de l’efficacité. Une sitcom repose généralement sur un quatuor de personnages. C’est une formule, même si elle fonctionne. Vous avez besoin d’un héros, d’un anti-héros, d’un amoureux et d’un copain. Des variantes existent, mais le squelette demeure. Prenez Marié et enfants. Il rentre dans le moule malgré son énergie chaotique. Ed est le héros improbable. Peg joue le anti-héros. Kelly est l’amoureux de rêve du lycéen. Et Bud ? C’est le copain. Les archétypes tiennent, même lorsque les personnages sont profondément imparfaits.
Contraintes de l’intrigue et scénarios
La limite de 30 minutes oblige l’intrigue à être serrée. Il faut que cela se résolve. Les histoires à succès restent généralement dans un cadre familial ou professionnel, ou un mélange désordonné des deux. Dans cette boîte, vous jouez avec les scénarios A et B.
Le scénario A est l’événement principal. C’est ce qui anime l’épisode. Cela se résout rarement jusqu’à la toute scène finale. Le scénario B est secondaire. En fonction de la taille du casting, vous pouvez obtenir des tracés C ou D. Les histoires périphériques comblent les lacunes. Ajoutez un crochet ou un rebondissement soudain de l’intrigue. Maintenant, vous avez un spectacle.
Le pouvoir du teaser
La plupart des sitcoms utilisent des teasers. Il s’agit d’une courte scène apparaissant avant ou pendant le générique d’ouverture. Toutes les émissions ne les utilisent pas, mais la plupart le font. L’objectif est simple : faire rire le public en naviguant sur la chaîne. Le teaser peut ne pas se connecter à l’intrigue A ou B. Il faut juste que ce soit drôle.
Regardez les premiers Seinfeld. Jerry Seinfeld utilise une routine de stand-up comme teaser. C’est une blague d’introduction. Un constat humoristique qui donne le ton. Le public rit avant même que l’histoire ne commence.
Running Gags et humour des personnages
La clé de la longévité est la variété. L’humour axé sur les personnages bat presque à chaque fois le burlesque. Le running gag est votre meilleur outil. Il s’agit d’une situation ou d’une ligne de dialogue amusante qui réapparaît au fil d’un épisode ou d’une série. Parfois, cela évolue vers un slogan.
Souvent, la blague n’est pas intentionnelle au début. Un acteur dit quelque chose de bizarre. Le public réagit. Cela touche une corde sensible. Les écrivains le remarquent. Ils réécrivent la ligne. Cela devient de plus en plus drôle à chaque répétition. Le succès du running gag ou de la blague intérieure repose entièrement sur la prestation de l’acteur. S’ils le vendent, vous le croyez.
La section suivante explorera comment ce plan papier se traduit sur le petit écran.
Les sitcoms se déclinent dans une grande variété de situations. Les genres vont des drames sur le lieu de travail aux pitreries familiales. Mais les styles techniques pour les filmer ? C’est un club beaucoup plus petit. Vous envisagez généralement trois catégories : le public en studio en direct, les configurations à caméra unique ou les tournages en extérieur. Ce n’est pas un menu infini.
Le Quatrième Mur et le public du Live Studio
Lorsque vous regardez une sitcom multi-caméras classique, vous regardez généralement un décor construit devant un public de studio en direct. La plupart de l’action se déroule dans un hub central. Pensez à l’appartement de Lucy et Ricky Ricardo dans I Love Lucy. Ou l’appartement de Monica dans Friends. Ou Central Perk. Ou le bar du Cheers. Le design est cohérent. Trois murs solides entourent l’espace. Le public et les caméras regardent à travers le quatrième mur ouvert.
Prenez Les Goldberg. Il a été joué et tourné sur le plateau avec un public en direct. Le décor principal était l’appartement de six pièces de Goldberg dans le Bronx. Il s’ouvrait sur une petite galerie de sièges pour la foule. Des caméras étaient positionnées dans cette quatrième zone ouverte du mur. Les acteurs ont vécu sur ce plateau pendant dix-huit heures. Ils ont répété des répliques et des scènes à plusieurs reprises. Le tournage n’a eu lieu que dans la dernière heure.
I Love Lucy a affiné ce processus. Des zones de passage ont été ajoutées. Cela donnait aux caméras différents points de vue. Il utilisait des gradins statiques pour que le public puisse s’asseoir. C’était une machine.
Définit sans foule
Tous les spectacles n’ont pas l’énergie d’une foule en direct. Si un spectacle est filmé sur le plateau sans public en studio, le quatrième mur s’ouvre aux caméras et à l’équipe de production au lieu d’une galerie de sièges. Vous avez des réalisateurs, des producteurs, des animateurs et des techniciens qui remplissent cet espace.
Tourner sur un plateau présente des avantages évidents. Il offre un environnement stable. Vous avez plus de contrôle sur l’éclairage. Le son est plus propre. La continuité est plus facile à gérer. Vous n’êtes pas à la merci des intempéries ou d’une rue bruyante.
Prise de vue sur place pour l’authenticité
Les sitcoms filmées sur place installent toute la production dans le monde réel. Casting, équipe, accessoires, tout se déplace sur le site. L’emplacement pourrait être une rue. Un ancien immeuble de bureaux. Un hôpital abandonné de North Hollywood comme dans Scrubs.
Le tournage sur place ajoute de l’authenticité. Cela ajoute de la crédibilité. En plaçant les personnages dans un décor réel, la sitcom évite la distraction potentielle d’un faux décor. Le monde semble habité.
Caméra unique ou plusieurs caméras
Les sitcoms peuvent être filmées à l’aide d’une seule caméra ou de plusieurs caméras. L’approche à caméra unique offre plus de contrôle. Vous obtenez des scènes en gros plan. Plans larges. Beaucoup de mouvement. Des émissions comme Scrubs, My Name is Earl et The Office utilisent cette technique. Ils suivent les personnages dans leurs déplacements. La caméra bouge avec eux.
Plusieurs caméras offrent une opportunité différente. Ils capturent plusieurs angles de chaque scène simultanément. C’est plus rapide. C’est plus traditionnel pour les émissions en direct. Mais une seule caméra permet une sensation cinématographique. Lequel préfères-tu ? L’énergie de la foule en direct ou le regard contrôlé d’un seul objectif ?
Cela semble familier
La plupart des sitcoms tentent de développer un bon stock de slogans. Ils vous collent à la tête. Vous vous retrouvez à les dire quelques jours plus tard. Avez-vous déjà vu l’un de ces éléments vous traverser la tête ?
- “Lucy, tu as des explications à faire” (Ricky, I Love Lucy )
- “Eh bien, Mme Cleaver” (Eddie Haskell, Laissez-le à Beaver )
- “Tu as sonné ?” (Lurch, La Famille Addams )
* « Mordez-le ! Mordez-le ! » (Barney Fife, Le spectacle d’Andy Griffith ) - “Elizabeth, j’arrive !” (Fred Sanford, Sanford et fils )
- “Dans ton nez avec un tuyau en caoutchouc” (Vinnie Barbarino, Welcome Back, Kotter )
- “Dyn-o-mite” (J.J., Good Times )
- “Nanoo-Nanoo” (Mork, Mork et Mindy )
- “De quoi tu parles, Willis ?” (Arnold Drummond, Diff’rent Strokes )
- “Mange mon short” et “Je n’ai pas de vache, mec” (Bart Simpson, Les Simpsons )
- “Pas de soupe pour toi !” (La Soupe Nazie, Seinfeld )
- “Comment ça va ?” (Joey Tribbiani, Amis )
- “C’est ce qu’elle a dit” (Michael Scott, The Office )
Ces lignes ont défini des époques. Ils ont ancré les personnages. Ils nous ont donné quelque chose à citer lors des fêtes.
L’avenir des sitcoms
Les spécifications techniques ont évolué. Les blagues sont devenues plus sales. Les performances ont mûri.
Mais le coeur ? C’est intact.
À la base, une sitcom reste un vaisseau de trente minutes pour des personnages dans un chaos pertinent et divertissant. Les similitudes à travers l’histoire de la télévision sont vastes. C’est peut-être pour cela que le format refuse de mourir.
La télé-réalité inonde les ondes. Les drames d’une heure dominent les discours de prestige. Les grèves des écrivains arrêtent la production.
Alors où en est la sitcom dans cinq ans ?
C’est vivant. Probablement à cause de la syndication.
Vous connaissez le principe. Après avoir été diffusée 100 fois, une émission entre en syndication. Les réseaux câblés et les chaînes de diffusion diffusent quotidiennement “I Love Lucy” et “Seinfeld”. Ils tirent toujours des notes. Ils gagnent toujours de l’argent.
Les écrivains affluent toujours à Hollywood. Bien sûr, vous pouvez écrire de n’importe où de nos jours. Vous pouvez obtenir une option depuis votre ordinateur portable dans l’Ohio. Mais le consensus de l’industrie ? Vivez à Los Angeles. C’est là que se produit le succès.
Les producteurs proposent toujours des scripts. Les sociétés de production tournent encore des pilotes.
Ensuite, il y a la succursale. L’explosion des caméras portables. Vidéo informatique. Images de téléphone portable.
Vlogs. Films indépendants. Savons Web.
Entrez dans la sitcom Web.
Court. Situationnel. Conçu pour le navigateur. “Break a Leg” en est un excellent exemple. Écrit et produit par Vlad et Yuri Baranovsky par l’intermédiaire de leur société Late Again Films basée à San Francisco, le film suit un gars qui obtient un contrat de sitcom. Méta ? Bien sûr. Efficace? Cela permet au genre de respirer en ligne.
Les blogs et les vlogs relatent désormais cette lutte. L’espoir. La mouture hollywoodienne.
Le genre ne tient pas seulement le coup. Cela se ramifie.
Une taxonomie de la sitcom
On ne peut pas parler du format sans s’intéresser aux sous-genres. Ils définissent la structure. Ils définissent le public.
La sitcom familiale
C’est le fondement. «Les Goldberg». “J’aime Lucie.” «Les jeunes mariés». “Laissez-le au Castor.” “Le spectacle Donna Reed.” “Le spectacle de Dick Van Dyke.” “Bons moments.”
Sitcom familiale non nucléaire
Ce n’est pas la configuration classique maman-papa-enfant. Pensez à “The Andy Griffith Show”. “Mes trois fils.” “La bande Brady.” «La famille Partridge». “Le Bernie Mac Show.”
La sitcom familiale dysfonctionnelle
Les choses sont cassées. “Roseanne.” “Marié… avec des enfants.” “Malcolm au milieu.” “Maîtrisez votre enthousiasme.”
Sitcom familiale moderne
Une époque spécifique de frictions relatables. «Douleurs de croissance». “Le spectacle Cosby.” «Amélioration de l’habitat». “Le roi des reines”. “Tout le monde aime Raymond.” «La maison Payne».
La sitcom sur le lieu de travail
Où passons-nous la majeure partie de notre vie d’adulte ? Travail. “Le spectacle de Mary Tyler Moore.” “ÉCRASER.” “Taxi.” «Concevoir des femmes». “Le spectacle de Jamie Foxx.” “Tirez-moi dessus.” “Murphy Brown.” “Gommages”. «Le Bureau».
La sitcom animée
L’animation permet une exagération qu’aucun acteur de live-action ne peut égaler. «Les Pierrafeu». “Les Jetson.” “Les Simpson”. “Parc Sud.” “Futurama.” “Les gars de la famille.” “Roi de la Colline.”
La sitcom fantastique
Éléments surnaturels comme métaphore de la vie domestique. “M. Ed.” “Mon Martien préféré.” «La famille Addams». “Les Munsters.” “Enchanté.” “L’île de Gilligan.” “Je rêve de Jeannie.” “Mork et Mindy.” “Sabrina, la sorcière adolescente.”
La sitcom Kidcentric
Grandir. “Les singes.” “Jours heureux.” “Bienvenue, Kotter.” “Punky Brewster.” «Les faits de la vie». “Fleurir.” “Sauvé par le gong.” “Le Prince Frais de Bel-Air.” “Moesha.” “Hannah Montana.”
Sitcom des amis
Moulages d’ensemble. Petites chambres. De grandes personnalités. “Le couple étrange.” “Laverne et Shirley.” “La Compagnie des Trois.” “Les Filles d’Or”. “Acclamations.” “Seinfeld.” “Je traîne avec M. Cooper.” “Amis.” “Le spectacle de Steve Harvey.” “Volonté et Grâce.” “Ce spectacle des années 70.” “Je m’appelle Earl.”
Le format survit parce qu’il s’adapte. Et parce que nous continuons à regarder.
Des liens vers d’autres ressources suivent. L’industrie change. Le genre reste.
