La grande satira non urla. Sussurra. Oppure urla mentre indossa un sorriso. I migliori film di questo genere non si limitano a deridere un argomento; offrono uno specchio distorto alla società finché non riconosci il tuo stesso riflesso. È sottile. È acuto. E quando funziona, rimane con te per molto tempo dopo la fine dei titoli di coda.
La satira prende ciò che è familiare – un genere, una tendenza politica, una norma culturale – e lo stravolge. Usa l’imitazione per denunciare l’assurdità di questioni serie, pronunciando battute che fungono anche da accuse. Questo elenco esplora venti dei migliori esempi di critica sociale e politica nel cinema. Inizieremo con le voci da 20 a 17.
Distretto 9: La fantascienza come allegoria dell’apartheid
La maggior parte dei film satirici sono commedie perché la risata è il modo più semplice per abbassare le difese delle persone. District 9 (2009) rompe gli schemi. Non è divertente. È brutale. Lo scrittore e regista Neil Blomkamp utilizza la cornice fantascientifica per trasmettere un messaggio crudo e diretto sull’apartheid in Sud Africa. Ambienta il film a Johannesburg, radicando l’invasione aliena in una storia di segregazione molto reale e cruda.
Invece che sulla razza, il divario è basato sulla specie. Gli alieni, chiamati in modo dispregiativo “gamberetti”, sono confinati in un campo profughi. Sono trattati come sporchi, deboli e come una perdita di risorse. Il protagonista, Wikus van der Merve (Sharlto Copley), inizia come un rispettato funzionario governativo incaricato di sfrattare gli alieni. Un incidente costringe il suo DNA a fondersi con il loro. Non cambia solo fisicamente; il suo status sociale crolla. Il film documenta meticolosamente la rapidità con cui le persone si rivoltano contro qualcuno una volta etichettate come “altro”.
Il film imita lo stile di un documentario. Se si scambiano gli alieni con una razza minoritaria, gli elementi fantascientifici svaniscono. Ciò che resta è un ritratto agghiacciante della crudeltà umana. Dimostra che i film satirici possono essere terrificanti quando riflettono troppo da vicino la realtà.
Attacca il blocco: eroi dei centri urbani contro stereotipi
Attack the Block (2011) è un cult che è passato inosservato a molti, nonostante abbia lanciato le carriere di John Boyega e Jodie Whittaker. Boyega ha continuato a guidare la trilogia del sequel di Star Wars, mentre Whittaker è diventato il 13° Dottore in Doctor Who. Ma l’eredità del film non è solo il potere delle star. È un pezzo intelligente di satira sociale britannica del regista Joe Cornish.
In superficie, è un horror fantascientifico. Una banda di adolescenti del sud di Londra combatte gli invasori alieni. Scava più a fondo e troverai un commento su come la società vede i giovani dei centri urbani. Questi ragazzi sono visti come delinquenti. Vengono liquidati come ragazzi confusi che lottano per essere accettati. Eppure, quando gli alieni attaccano, sono gli unici abbastanza coraggiosi da difendere il proprio isolato. Diventano eroi.
La satira si acuisce quando arriva la polizia. Non vedono gli alieni. Vedono “criminali”. Arrestano le persone sbagliate, ciechi di fronte alla minaccia reale. È una critica al modo in cui le forze dell’ordine spesso ignorano il contesto delle comunità che sorvegliano. Il film mescola terrificanti creature pelose con uno sguardo serio alla vita adolescenziale, creando un mash-up unico di horror e realismo sociale.
Borat: denunciare l’ipocrisia americana
Il titolo completo è Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan. Tutti lo accorciano. L’alter ego di Sacha Baron Cohen si atteggia a un ingenuo giornalista kazako inviato per documentare la cultura americana. Lo scherzo è sul pubblico e sui soggetti.
Cohen non rompe mai il personaggio. Questo impegno gli permette di smascherare gli angoli più sporchi degli Stati Uniti. Mette in luce il razzismo, il sessismo e un’incredibile mancanza di buon senso tra le persone che incontra. Ma c’è un altro livello. Molti americani sono ansiosi di aiutarlo. Gli mostrano le parti “buone” del loro paese. Questa dualità fa satira sulla generosità del cittadino medio insieme ai suoi pregiudizi.
Il film è anche una satira dei reality. Mettendo Cohen in situazioni reali con ignari co-protagonisti, il film rivela con quanta facilità le persone si esibiscono davanti alla telecamera. Le battute vanno troppo oltre. Le reazioni sono reali. È uno sguardo scomodo a ciò che le persone sono disposte a dire e a fare quando pensano che nessuno le stia giudicando.
Get Out: L’orrore del razzismo liberale
Jordan Peele è noto per la commedia. È diventato famoso grazie a Mad TV e Key & Peele. Quindi, quando è arrivato Get Out (2017), molti lo hanno visto solo come un elegante film horror. Era facile perdere la satira se non la cercavi. Ma i temi razziali erano evidenti a chiunque prestasse attenzione.
Peele sovverte il cliché del “ragazzo nero muore sempre nei film horror”. Invece, crea un incubo in cui i neri vengono cacciati dai ricchi liberali bianchi. La famiglia Armitage non odia i neri. Li feticizzano. Mettono all’asta giovani uomini di colore per un intervento chirurgico di trapianto mentale. Vogliono i corpi per le loro caratteristiche fisiche: occhi migliori, capelli più freschi, capacità atletiche superiori. Il protagonista, Chris Washington (Daniel Kaluuya), viene acquistato appositamente per il suo talento fotografico.
Il film crea tensione fin dall’inizio. Chris è nervoso all’idea di incontrare la famiglia della sua ragazza bianca. Si assicura che lei li abbia avvertiti che è nero. Un controllo del traffico di routine con un agente locale evidenzia la costante ansia di essere nero in America. Più tardi, i personaggi bianchi fanno complimenti ambigui a Obama. Sembrano accoglienti, ma i loro elogi sono condiscendenti. Rivela una condiscendenza profondamente radicata.
Get Out usa l’orrore per criticare l’alleanza performativa dell’élite liberale. Ciò dimostra che non tutto il razzismo è odio palese. In alcuni c’è il desiderio di consumare e sostituire. La satira colpisce in profondità perché riflette una realtà in cui l’oscurità è apprezzata per la sua utilità ma mai rispettata per la sua umanità.
L’elenco continua. Altri film aspettano di mostrarci come l’umorismo e l’orrore possano rivelare le verità che preferiremmo ignorare.
Come Quello che facciamo nell’ombra fa satira sui vampiri moderni
Vuoi prendere in giro l’intensità minacciosa di Intervista col vampiro, il melodramma adolescenziale di Twilight e la realtà caotica della vita moderna tutto in una volta? Questo è esattamente ciò che hanno fatto Jemaine Clement e Taika Waititi. Il risultato è stato What We Do in the Shadows (2014). Segue quattro coinquilini vampiri in Nuova Zelanda che cercano di capire come mantenere le loro antiche tradizioni mentre hanno a che fare con le password Wi-Fi e le regole HOA.
Il film attraversa i cliché del genere. Colpisce Buffy The Vampire Slayer, Blade e The Lost Boys senza perdere un colpo. Utilizza perfettamente il formato mockumentary. I personaggi guardano nell’obiettivo della fotocamera. La finta troupe cinematografica viene addirittura trascinata nei guai durante un ballo in maschera pieno di zombie e streghe. Non c’è niente di slapstick qui. Nessun sangue disgustoso. Solo tempismo acuto e spirito asciutto. Questi sono assassini assetati di sangue, certo. Ma sono anche socialmente goffi e profondamente poco cool. Questo contrasto ha creato un film di culto nel 2014. Nel 2019 è seguito uno spin-off televisivo con un nuovo cast.
Perché L’intervista è diventata una tempesta politica
Se stai cercando film che abbiano causato veri grattacapi geopolitici, The Interview (2014) è in cima. James Franco e Seth Rogen interpretano i giornalisti assunti per intervistare Kim Jong-un. Quindi la CIA li recluta per assassinarlo. Il governo nordcoreano non si è divertito. Hanno minacciato violenza. I media nordcoreani hanno criticato il progetto.
L’uscita nelle sale è stata bloccata. Netflix è intervenuto. Lo hanno inserito direttamente nel loro servizio di streaming. Già prima era trapelato illegalmente, scaricato comunque da milioni di persone. Il film si presenta come un’acuta satira politica. Fa anche un cenno ai film di spionaggio degli anni ’60 e ’70. Col senno di poi, la sua rilevanza non ha fatto altro che crescere.
Trovare lo stato di culto nello spazio ufficio
Office Space (1999) è la satira definitiva della routine dalle 9 alle 5. Mike Judge lo ha scritto e diretto. È spesso sottovalutato, ma il suo lavoro è intelligente, divertente e dolorosamente vero. Il film si concentra sui lavoratori IT. Ha avuto risonanza tra i colletti bianchi di tutto il mondo. Ron Livingston, Jennifer Aniston, Gary Cole e Stephen Root offrono performance straordinarie.
Non è stato un successo al botteghino. Ha incassato 12,2 milioni di dollari contro un budget di 10 milioni di dollari. Ai critici è piaciuto. Le vendite di home video lo mantennero in vita. È diventato un cult. Se ti sei mai seduto in un cubicolo, conosci questo film. È un classico moderno per una ragione.
Il controverso successo di Fight Club
Basato sul romanzo di Chuck Palahniuk, Fight Club (1999) presenta Brad Pitt e Edward Norton. La loro dinamica è elettrizzante. Norton interpreta il narratore. Incontra Tyler Durden su un volo. Tyler è affascinante ma antimaterialista. Il loro legame iper-mascolino porta al club titolare.
Il film attacca la cultura del consumo. Mette in discussione il marchio di stile di vita. Decostruisce la mascolinità. Norton rompe spesso la quarta parete. Ci parla. Lo studio non era soddisfatto dei numeri al botteghino. I critici erano polarizzati. È stato uno dei film più chiacchierati del 1999. Nel corso del tempo, l’accoglienza è cambiata. Ora è ampiamente elogiato per la recitazione, la regia e i temi.
Kung Fu Hustle sfida le aspettative di genere
Kung Fu Hustle (2004) è estremamente divertente. I gangster nella Cina degli anni ’40 ballano a passo di passo. Impugnano asce e sparano con pistole Tommy. È tutto impostato su “Ballroom Blitz”. L’azione è esagerata. I corpi volano. Gli arti si rompono. Gli oggetti si disperdono. Fa satira su questioni politiche e sociali mentre prende in giro il genere stesso del Kung Fu.
Roger Ebert lo paragonò all’incontro tra Jackie Chan e Buster Keaton, diretto da Quentin Tarantino e animato da Bugs Bunny. Questo è esatto. Steven Chow ha realizzato qualcosa di totalmente strano. Ha funzionato sorprendentemente bene in Nord America. Si classifica come il decimo film in lingua straniera con il maggior incasso di tutti i tempi. È stato anche il film in lingua straniera con il maggior incasso nel 2005.
Simon Pegg e Nick Frost guidano la carica in Hot Fuzz
Non si può parlare di commedie d’azione taglienti senza approdare a Hot Fuzz. È una satira del 2007 del genere degli amici poliziotti, ma è anche una lettera d’amore per i film d’azione esagerati resi famosi da registi come Michael Bay. Pensa a esplosioni al rallentatore, bagliori di lenti e logica zero. La trama è abbastanza semplice: due agenti di polizia britannici non corrispondenti si assumono il compito di risolvere una serie di strani e peculiari omicidi in un piccolo villaggio inglese.
Simon Pegg e Nick Frost sono i protagonisti qui e la loro chimica è elettrica. Funzionano perfettamente l’uno con l’altro, offrendo interazioni esilaranti dall’inizio alla fine. Il regista e sceneggiatore Edgar Wright (Baby Driver ) gestisce la macchina da presa con magistrale precisione. Sulla scia del suo debutto nel lungometraggio, la commedia horror L’alba dei morti dementi, Hot Fuzz è stato un successo di critica e di botteghino. La sceneggiatura è intelligente e incisiva. Le scene d’azione sono coreografate con cura esperta. Più di un decennio dopo, regge ancora molto bene.
La politica fantoccio di Team America: World Police
Se ti è piaciuta la controversia che circonda L’intervista, probabilmente apprezzerai Team America: World Police. Questo film del 2004 presenta un dittatore nordcoreano come cattivo centrale. Si ispira alla serie TV Thunderbirds degli anni ’60, utilizzando marionette al posto di attori umani per raccontare mini-drammi thriller di spionaggio che piacevano sia ai bambini che agli adulti.
Il film è una satira pungente della società americana, della cultura e della natura del potere. Deride la celebrazione dello stile rispetto alla sostanza. Prende di mira anche i film d’azione ad alto budget e i loro cliché, concentrandosi fortemente sulle implicazioni globali della politica degli Stati Uniti. Il titolo stesso è un colpo alle critiche nazionali e internazionali secondo cui la politica estera americana spesso tenta di “sorvegliare il mondo” in modo unilaterale.
Ha avuto un discreto successo teatrale e ha ricevuto recensioni per lo più positive. Team America: World Police detiene un indice di gradimento del 77% su Rotten Tomatoes. Il consenso? Ti offenderà o ti lascerà a pezzi. Probabilmente entrambi. Rimane un meraviglioso pezzo di satira che sembra ancora più attuale oggi rispetto al 2004.
Lo Spin Doctoring di Grazie per aver fumato
Aaron Eckhart interpreta Nick in Thank You for Smoking, una commedia satirica del 2005. È uno spin doctor dell’Academy of Tobacco Studies, un’istituzione creata dalle principali aziende produttrici di sigarette per sviare le preoccupazioni sulla salute. La posta in gioco è alta perché il fumo tra gli adolescenti è in calo. L’originale Marlboro Man, interpretato da Sam Elliott, sta morendo di cancro. Un senatore liberale, interpretato da William H. Macy, sta conducendo una campagna per attaccare adesivi con teschio e ossa incrociate sulle confezioni di sigarette.
L’Accademia farà tutto il possibile per far sì che le persone continuino a fumare. Il film evidenzia le assurdità del comportamento socio-politico all’inizio del 21° secolo. Vanta un cast fantastico. Maria Bello, Adam Brody, Katie Holmes, Rob Lowe, J. K. Simmons e Robert Duvall appaiono tutti in ruoli secondari. Ha incassato poco meno di 40 milioni di dollari al botteghino ma è stato ben accolto dalla critica. È un film intelligente e una delle migliori satire comiche pubblicate negli ultimi decenni.
Il futuro distopico dell’idiocrazia
Idiocracy, pubblicato nel 2006, racconta la storia di due persone che partecipano a un esperimento militare top-secret di ibernazione umana. Si risvegliano 500 anni dopo in una società distopica. L’anti-intellettualismo e il mercantilismo hanno sostituito la curiosità intellettuale, la responsabilità sociale e le nozioni coerenti di giustizia e diritti umani.
È un’altra gemma nascosta di Mike Judge. Il film offre uno sguardo satirico su una versione esagerata dell’America in cui tutti, compresi i legislatori e i funzionari governativi, sono dei completi idioti. Etan Cohen, che ha co-sceneggiato il film insieme a Judge, ha recentemente notato che il mondo di Idiocracy è diventato fin troppo reale. “Non mi sarei mai aspettato che Idiocracy diventasse un documentario”, ha detto Cohen.
Terry Crews offre una performance memorabile nei panni del presidente Dwayne Elizondo Mountain Dew Herbert Camacho. Il film non ha mai ricevuto un’ampia uscita nelle sale. Invece, negli anni successivi ha trovato un culto diffuso. Nonostante la mancanza di notorietà iniziale, vale la pena cercare Idiocracy. Serve come una rappresentazione sorprendentemente accurata del futuro.
La sconfitta dell’industria in Tropic Thunder
Ben Stiller, Jack Black, Robert Downey Jr., Jay Baruchel e Brandon T. Jackson sono i protagonisti di Tropic Thunder (2008). Interpretano un gruppo di attrici primedonne che girano un costoso film sulla guerra del Vietnam. Il personaggio di Ben Stiller, Tugg Speedman, è una viziata superstar d’azione diretta nel sud-est asiatico per il più grande film di guerra mai prodotto.
All’inizio delle riprese, la troupe viene inaspettatamente catapultata nel Triangolo d’Oro, sede di una spietata banda di produttori di eroina. Devono diventare veri soldati. La ridicola premessa funge da sfondo per una demolizione satirica dell’industria cinematografica. Si rivolge specificamente all’uso di attori famosi per ispirare compassione semplicemente come mezzo per elogiare.
L’attacco ai metodi consolidati di Hollywood è ben congegnato ed esilarante. I critici generalmente hanno elogiato i personaggi, la storia, i falsi trailer e le performance di Stiller, Downey, Black e Tom Cruise. Tuttavia, il film è stato criticato per la sua rappresentazione satirica dei portatori di handicap mentali e per l’uso del trucco nero. Rimane una voce complessa nel genere.
6. WALL-E (2008)
WALL-E della Disney-Pixar non è esattamente una satira urlante. Sembra una dolce storia d’amore tra due robot. Ma guarda più da vicino. Il pianeta Terra non è altro che un mucchio di spazzatura. Decenni di abusi hanno trasformato la casa che conosciamo in una terra desolata. Gli esseri umani sono fuggiti su astronavi. Passano i secoli. WALL-E resta indietro. Pulisce la spazzatura. Aspetta che la gente ritorni.
Gli umani che rimangono sono diversi. Obeso. Pigro. Galleggiante sulle sedie. Mangiano, bevono e guardano schermi tutto il giorno. Nessuno sforzo richiesto. L’automazione fa tutto. Il film esagera questo eccesso. Mostra un futuro in cui i rifiuti sono l’unica costante.
Era un avvertimento? O solo una previsione?
I critici l’hanno adorato. Anche il pubblico lo ha fatto. Il film ha incassato oltre 530 milioni di dollari. Ha ottenuto una nomination all’Oscar come miglior film d’animazione. Il messaggio ambientale è chiaro. La storia è profonda. Non si tratta solo di un simpatico robot in cerca di amore. Riguarda ciò che lasciamo alle spalle.
5. Aereo! (1980)
I film catastrofici erano famosi negli anni ’60 e ’70. La serie Airport ha fatto un sacco di soldi. Airport ’79 era così campy che fu commercializzato come una commedia. Questo ha fatto sì che passassi ad Aereo! facile.
Lo scheletro della storia proviene da Zero Hour. Un film serio del 1957. Ma aereo! non aveva quasi nulla in comune con esso a parte i punti della trama. Era una parodia del genere. David e Jerry Zucker lo hanno scritto e diretto. Jim Abrahams ha co-scritto. Nel cast c’erano Robert Hays e Julie Hagerty. Leslie Nielsen ha rubato le scene. C’erano anche Robert Stack, Lloyd Bridges, Peter Graves, Kareem Abdul-Jabbar e Lorna Patterson.
L’umorismo è surreale. Uno slapstick dal ritmo serrato. Giochi di parole visivi. Gag verbali. Effetti sonori dell’elica per un aereo a reazione. Perché no? È ridicolo. È assurdo. Ed è ancora divertente quasi quarant’anni dopo. Sarai ammaccato.
4. Rete (1976)
Network è uscito più di quattro decenni fa. È una satira politica. Ma sembra più attuale che mai. Il clima politico odierno corrisponde alle previsioni del film. Lo ha scritto Paddy Chayefsky. Sidney Lumet lo ha diretto.
La storia parla di una rete televisiva immaginaria. UBS. Stanno lottando. Gli ascolti sono in calo. Devono essere rilevanti. Disperatamente. Il film prevedeva dove sarebbero andati i mezzi di informazione. Ha mostrato lo spostamento verso il sensazionalismo. Nel cast figuravano Faye Dunaway, William Holden, Peter Finch e Robert Duvall. Wesley Addy, Ned Beatty e Beatrice Straight erano in ruoli secondari.
I critici lo hanno elogiato. Nel 2007, l’American Film Institute lo ha classificato al 64° posto nella lista dei 100 più grandi film americani. È un film meraviglioso. Non dovrebbe essere perso. Ma è spesso messo in ombra dai film più in alto in elenchi come questo. Tuttavia, la sua visione della manipolazione dei media è acuta. E accurato.
3. Il dottor Stranamore ovvero: come imparai a non preoccuparmi e ad amare la bomba (1964)
Stanley Kubrick ci ha regalato una delle più grandi satire politiche nel 1964. È una commedia nera. Fa satira sulla paura nucleare durante la Guerra Fredda. Gli Stati Uniti e l’Unione Sovietica erano sul filo del rasoio. Hanno recitato Peter Sellers e George C. Scott. Sterling Hayden, Keenan Wynn e Slim Pickens hanno completato l’ensemble.
I venditori hanno svolto tre ruoli. Un ufficiale di cambio della RAF britannica. Il Presidente degli Stati Uniti. E il dottor Stranamore. Il personaggio titolare. Un esperto di guerra nucleare costretto su una sedia a rotelle. Un ex nazista. Ruba la scena.
Uno sconvolto generale dell’aeronautica militare ordina un attacco nucleare contro l’Unione Sovietica. Il presidente e i suoi consiglieri si fanno prendere dal panico. Tentano di richiamare gli attentatori. Falliscono. Il film è considerato uno dei più grandi di tutti i tempi. È nel National Film Registry. È altamente citabile. “Signore, non potete combattere qui! Questa è la Sala della Guerra!”
2. Questa è la puntura spinale (1984)
Questo mockumentary segue un gruppo rock britannico immaginario. Colpetto spinale. I musicisti sono scandalosi. Non si rendono conto di quanto siano ridicoli. Si ritrovano in situazioni assurde. Ogni scena è memorabile.
Anche chi non l’ha visto conosce l’amplificatore che arriva fino a 11. Non 10. 11. O il concerto con le piccole persone che ballano attorno a una Stonehenge in miniatura.
Il film fa satira sul comportamento dei gruppi rock. Si prende gioco delle pretese musicali. Prende in giro documentari rock come Gimme Shelter, The Song Remains the Same e The Last Waltz. La maggior parte del dialogo è stato improvvisato. Il risultato sono state decine di ore di riprese.
Ha debuttato con recensioni tiepide. Ma il pubblico ha capito. La satira era brillante. È diventato un cult. Veloce.
Lo sceriffo nero che rovinò il genere western
Mel Brooks non ha realizzato solo una commedia nel 1974. Ha realizzato una granata avvolta in un cappello da cowboy. Blazing Saddles è il tipo di film che sembra meno intrattenimento e più un intervento per la coscienza collettiva di Hollywood. Diretto dallo stesso Brooks, il film vede protagonisti Cleavon Little e Gene Wilder in ruoli che all’epoca erano praticamente impensabili per il cinema mainstream.
La trama è ingannevolmente semplice, ed è proprio qui che risiede il pericolo. Harvey Korman interpreta Hedley Lamarr, un procuratore generale corrotto con un fiuto per i guai e un senso dell’olfatto peggiore. Vuole distruggere l’idilliaca (e interamente bianca) città di Rock Ridge. La sua soluzione? Nomina il primo sceriffo nero in Occidente. La sua logica è contorta ma chiara: la città rifiuterà l’uomo, la città andrà in pezzi e Lamarr potrà acquistare la terra per pochi centesimi in un dollaro.
Entra Bart.
Interpretato da Cleavon Little, Bart non è solo un ferroviere in cerca di lavoro. È una forza della natura dalla lingua tagliente e politicamente esperta. Invece di crollare sotto il razzismo di Rock Ridge, Bart capovolge la città. Diventa l’avversario più fastidioso ed efficace di Lamarr. La satira qui è tagliente. Prende di mira il mito del West americano, la versione sterilizzata venduta al pubblico, esponendo il razzismo su cui il genere solitamente sorvola o romanticizza.
Il film non ha solo fatto soldi. Ha fatto una dichiarazione. Al momento del rilascio, è stato un tesoro della critica, ottenendo tre nomination agli Oscar. Ma la sua eredità va ben oltre i riconoscimenti. Nel 2006, la Library of Congress è intervenuta. Ha ritenuto Blazing Saddles culturalmente, storicamente ed esteticamente significativo. È stato selezionato per la conservazione nel National Film Registry.
Perché è importante adesso? Perché i miti che ha demolito vengono ancora ricostruiti. Il film rimane un punto di riferimento per la commedia satirica western, dimostrando che puoi ridere mentre smantelli decenni di propaganda di Hollywood. Non è solo un classico. È necessario.
La città di Rock Ridge potrebbe essere scomparsa. I pregiudizi specifici degli anni ’70 si sono evoluti, anche se ostinatamente. Ma la domanda che Blazing Saddles pone – su chi potrà raccontare la storia e chi sarà l’eroe – non scompare mai del tutto. Bart vince la giornata. La città cambia. Ma il sistema? Il sistema continua a cercare modi per nominare un altro sceriffo che possa controllare.
