La gran sátira no grita. Susurra. O grita mientras luce una sonrisa. Las mejores películas de este género no se limitan a burlarse de un tema; Le muestran a la sociedad un espejo distorsionado hasta que reconoces tu propio reflejo. Es sutil. Es nítido. Y cuando funciona, permanece contigo mucho después de que aparecen los créditos.
La sátira toma lo que es familiar (un género, una tendencia política, una norma cultural) y lo distorsiona. Utiliza la imitación para exponer lo absurdo de temas serios, ofreciendo chistes que también sirven como acusaciones. Esta lista explora veinte de los mejores ejemplos de crítica social y política en el cine. Comenzamos con las entradas 20 a 17.
Distrito 9: Ciencia ficción como alegoría del apartheid
La mayoría de las películas de sátira son comedias porque la risa es la forma más fácil de bajar las defensas de las personas. Distrito 9 (2009) rompe moldes. No es gracioso. Es brutal. El escritor y director Neil Blomkamp utiliza el marco de la ciencia ficción para transmitir un mensaje crudo y directo sobre el apartheid en Sudáfrica. Ambienta la película en Johannesburgo, fundamentando la invasión extraterrestre en una historia de segregación muy real y descarnada.
En lugar de raza, la división se basa en especies. Los extranjeros, llamados despectivamente “gambas”, están confinados en un campo de refugiados. Se les trata como sucios, débiles y como una carga de recursos. El protagonista, Wikus van der Merve (Sharlto Copley), comienza como un respetado funcionario del gobierno encargado de desalojar a los extraterrestres. Un accidente obliga a su ADN a fusionarse con el de ellos. No sólo cambia físicamente; su estatus social colapsa. La película documenta meticulosamente la rapidez con la que las personas se vuelven contra alguien una vez que se les etiqueta como “otro”.
La película imita el estilo de un documental. Si cambias a los extraterrestres por una raza minoritaria, los elementos de ciencia ficción desaparecen. Lo que queda es un retrato escalofriante de la crueldad humana. Demuestra que las películas de sátira pueden ser aterradoras cuando reflejan demasiado la realidad.
Ataque al bloque: héroes del centro de la ciudad versus estereotipos
Attack the Block (2011) es un favorito de culto que pasó desapercibido para muchos, a pesar de lanzar las carreras de John Boyega y Jodie Whittaker. Boyega pasó a liderar la trilogía secuela de Star Wars, mientras que Whittaker se convirtió en el Doctor número 13 en Doctor Who. Pero el legado de la película no es sólo el poder de las estrellas. Es una pieza inteligente de sátira social británica del director Joe Cornish.
A primera vista, es un horror de ciencia ficción. Una pandilla de adolescentes del sur de Londres lucha contra los invasores alienígenas. Profundice y encontrará un comentario sobre cómo la sociedad ve a los jóvenes del centro de la ciudad. Estos niños son vistos como matones. Se les considera niños confundidos que luchan por ser aceptados. Sin embargo, cuando los alienígenas atacan, son los únicos lo suficientemente valientes como para defender su bloque. Se convierten en héroes.
La sátira se agudiza cuando llega la policía. No ven a los extraterrestres. Ven “criminales”. Arrestan a las personas equivocadas, ciegos a la amenaza real. Es una crítica de cómo las fuerzas del orden a menudo ignoran el contexto de las comunidades que vigilan. La película mezcla aterradoras criaturas peludas con una mirada seria a la vida adolescente, creando una combinación única de horror y realismo social.
Borat: exponiendo la hipocresía estadounidense
El título completo es Borat: Aprendizajes culturales de América en beneficio de la gloriosa nación de Kazajstán. Todos lo acortan. El alter ego de Sacha Baron Cohen se hace pasar por un ingenuo periodista kazajo enviado a documentar la cultura estadounidense. La broma es para el público y los sujetos.
Cohen nunca rompe el carácter. Este compromiso le permite exponer los rincones más sucios de Estados Unidos. Destaca el racismo, el sexismo y una asombrosa falta de sentido común entre las personas que conoce. Pero hay otra capa. Muchos estadounidenses están ansiosos por ayudarlo. Le muestran las partes “buenas” de su país. Esta dualidad satiriza la generosidad del ciudadano medio junto con sus prejuicios.
La película también es una sátira de los reality shows. Al colocar a Cohen en situaciones reales con coprotagonistas desprevenidos, la película revela con qué facilidad las personas actúan ante la cámara. Los chistes van demasiado lejos. Las reacciones son reales. Es una mirada incómoda a lo que las personas están dispuestas a decir y hacer cuando creen que nadie las está juzgando.
Salir: El horror del racismo liberal
Jordan Peele es conocido por la comedia. Saltó a la fama en Mad TV y Key & Peele. Entonces, cuando llegó Get Out (2017), muchos la vieron solo como una película de terror con estilo. Era fácil pasar por alto la sátira si no la estabas buscando. Pero los temas raciales eran obvios para cualquiera que prestara atención.
Peele subvierte el tropo de “el hombre negro siempre muere en las películas de terror”. En cambio, crea una pesadilla en la que los liberales blancos ricos persiguen a los negros. La familia Armitage no odia a los negros. Los fetichizan. Subastan a jóvenes negros para una cirugía de trasplante mental. Quieren los cuerpos por sus atributos físicos: mejores ojos, cabello más fresco, capacidad atlética superior. El protagonista, Chris Washington (Daniel Kaluuya), es comprado específicamente por su talento fotográfico.
La película genera tensión desde el principio. Chris está nervioso por conocer a la familia de su novia blanca. Él asegura que ella les ha advertido que es negro. Una parada de tráfico de rutina por parte de un oficial local resalta la ansiedad constante de ser negro en Estados Unidos. Más tarde, los personajes blancos hacen elogios indirectos sobre Obama. Parecen acogedores, pero sus elogios son condescendientes. Revela una condescendencia profundamente arraigada.
Get Out utiliza el horror para criticar la alianza performativa de la élite liberal. Demuestra que no todo racismo es odio abierto. Algunos son deseos de consumir y reponer. La sátira es profunda porque refleja una realidad en la que la negritud es apreciada por su utilidad pero nunca respetada por su humanidad.
La lista continúa. Más películas esperan para mostrarnos cómo el humor y el terror pueden revelar verdades que preferiríamos ignorar.
Cómo Lo que hacemos en las sombras satiriza a los vampiros modernos
¿Quieres burlarte de la inquietante intensidad de Entrevista con el vampiro, el melodrama adolescente de Crepúsculo y la confusa realidad de la vida moderna, todo de una sola vez? Eso es exactamente lo que hicieron Jemaine Clement y Taika Waititi. El resultado fue Lo que hacemos en las sombras (2014). Sigue a cuatro compañeros de cuarto vampiros en Nueva Zelanda que intentan descubrir cómo mantener sus antiguas tradiciones mientras lidian con las contraseñas de Wi-Fi y las reglas de la HOA.
La película rompe con los tropos del género. Golpea a Buffy The Vampire Slayer, Blade y The Lost Boys sin perder el ritmo. Utiliza perfectamente el formato de falso documental. Los personajes miran a la lente de la cámara. El falso equipo de filmación incluso se mete en problemas en un baile de máscaras lleno de zombis y brujas. Aquí no hay payasadas. Sin sangre asquerosa. Sólo sincronización precisa e ingenio seco. Estos son asesinos sedientos de sangre, claro. Pero también son socialmente incómodos y profundamente anticuados. Ese contraste creó un éxito de culto en 2014. En 2019 siguió un spin-off televisivo con un nuevo elenco.
Por qué la entrevista se convirtió en una tormenta política
Si buscas películas que hayan causado verdaderos dolores de cabeza geopolíticos, La entrevista (2014) está en la cima. James Franco y Seth Rogen interpretan a periodistas contratados para entrevistar a Kim Jong-un. Luego la CIA los recluta para asesinarlo. Al gobierno norcoreano no le hizo gracia. Amenazaron con violencia. Los medios de comunicación de Corea del Norte criticaron el proyecto.
El estreno en cines fue bloqueado. Netflix intervino. Lo pusieron directamente en su servicio de transmisión. Se filtró ilegalmente antes de eso, y de todos modos fue descargado por millones. La película se presenta como una aguda sátira política. También hace un guiño a las películas de espías de los años 60 y 70. En retrospectiva, su relevancia no ha hecho más que crecer.
Encontrar estatus de culto en espacio de oficina
Office Space (1999) es la sátira definitiva de la rutina de 9 a 5. Mike Judge lo escribió y dirigió. A menudo se le subestima, pero su trabajo es inteligente, divertido y dolorosamente cierto. La película se centra en los trabajadores de TI. Resonó entre los empleados administrativos de todas partes. Ron Livingston, Jennifer Aniston, Gary Cole y Stephen Root ofrecen actuaciones destacadas.
No fue un éxito de taquilla. Ganó 12,2 millones de dólares frente a un presupuesto de 10 millones de dólares. A los críticos les gustó. Las ventas de vídeos domésticos lo mantuvieron vivo. Se convirtió en un favorito de culto. Si alguna vez te has sentado en un cubículo, conoces esta película. Es un clásico moderno por una razón.
El controvertido éxito de El club de la lucha
Basada en la novela de Chuck Palahniuk, El club de la lucha (1999) presenta a Brad Pitt y Edward Norton. Su dinámica es electrizante. Norton interpreta al narrador. Conoce a Tyler Durden en un vuelo. Tyler es encantador pero antimaterialista. Su vínculo hipermasculino los lleva al club titular.
La película ataca la cultura de consumo. Cuestiona la marca de estilo de vida. Deconstruye la masculinidad. Norton rompe la cuarta pared con frecuencia. Él nos habla. El estudio no estaba contento con las cifras de taquilla. Los críticos estaban polarizados. Fue una de las películas de las que más se habló en 1999. Con el tiempo, la recepción cambió. Ahora es ampliamente elogiado por su actuación, dirección y temas.
Kung Fu Hustle desafía las expectativas del género
Kung Fu Hustle (2004) es tremendamente entretenido. Los gánsteres de la China de los años 40 bailan al unísono. Empuñan hachas y disparan pistolas Tommy. Todo está ambientado en “Ballroom Blitz”. La acción es exagerada. Los cuerpos vuelan. Las extremidades se rompen. Los objetos se dispersan. Satiriza cuestiones políticas y sociales mientras se burla del propio género del Kung Fu.
Roger Ebert lo comparó con Jackie Chan conociendo a Buster Keaton, dirigida por Quentin Tarantino y animada por Bugs Bunny. Eso es exacto. Steven Chow hizo algo totalmente extraño. Tuvo un desempeño sorprendentemente bueno en Norteamérica. Se ubica como la décima película en lengua extranjera más taquillera de todos los tiempos. También fue la película en lengua extranjera más taquillera en 2005.
Simon Pegg y Nick Frost lideran la carga en Hot Fuzz
No se puede hablar de comedias de acción intensas sin aterrizar en Hot Fuzz. Es una sátira de 2007 del género de policías amigos, pero también es una carta de amor a las películas de acción exageradas que directores como Michael Bay hicieron famosas. Piense en explosiones en cámara lenta, destellos de lentes y lógica cero. La trama es bastante simple: dos policías británicos que no coinciden se encargan de resolver una serie de asesinatos extraños y peculiares en un pequeño pueblo inglés.
Simon Pegg y Nick Frost son los protagonistas aquí y su química es eléctrica. Funcionan perfectamente entre sí y ofrecen interacciones divertidas de principio a fin. El guionista y director Edgar Wright (Baby Driver ) maneja la cámara con una precisión magistral. Inmediatamente después de su debut cinematográfico, la comedia de terror Shaun of the Dead, Hot Fuzz fue un éxito de crítica y taquilla. El guión es inteligente y contundente. Las escenas de acción están coreografiadas con cuidado experto. Más de una década después, todavía se mantiene muy bien.
La política títere del Equipo América: Policía Mundial
Si te gustó la controversia que rodea a La Entrevista, probablemente apreciarás Team America: World Police. Esta película de 2004 presenta a un dictador norcoreano como villano central. Está inspirado en la serie de televisión Thunderbirds de la década de 1960, y utiliza marionetas en lugar de actores humanos para contar minidramas de suspenso y espías que atrajeron tanto a niños como a adultos.
La película es una mordaz sátira de la sociedad, la cultura y la naturaleza del poder estadounidenses. Se burla de la celebración del estilo sobre la sustancia. También apunta a las películas de acción de gran presupuesto y sus clichés, centrándose en gran medida en las implicaciones globales de la política estadounidense. El título en sí es un golpe a las críticas nacionales e internacionales de que la política exterior estadounidense frecuentemente intenta “vigilar el mundo” unilateralmente.
Tuvo un éxito teatral moderado y recibió críticas en su mayoría positivas. Team America: World Police tiene un índice de aprobación del 77% en Rotten Tomatoes. ¿El consenso? Te ofenderá o te dejará desconsolado. Probablemente ambas cosas. Sigue siendo una maravillosa pieza de sátira que parece aún más relevante hoy que en 2004.
La corrección de Gracias por fumar
Aaron Eckhart interpreta a Nick en Gracias por fumar, una comedia satírica de 2005. Es asesor de la Academia de Estudios del Tabaco, una institución creada por las principales compañías tabacaleras para desviar los problemas de salud. Hay mucho en juego porque el tabaquismo entre adolescentes está disminuyendo. El Hombre Marlboro original, interpretado por Sam Elliott, está muriendo de cáncer. Un senador liberal, interpretado por William H. Macy, está haciendo campaña para pegar pegatinas con calaveras y tibias cruzadas en los paquetes de cigarrillos.
La Academia hará todo lo posible para que la gente siga fumando. La película destaca los absurdos del comportamiento sociopolítico a principios del siglo XXI. Cuenta con un elenco fantástico. Maria Bello, Adam Brody, Katie Holmes, Rob Lowe, J. K. Simmons y Robert Duvall aparecen en papeles secundarios. Recaudó poco menos de 40 millones de dólares en taquilla, pero fue bien recibida por la crítica. Se erige como una pieza cinematográfica inteligente y una de las mejores sátiras cómicas lanzadas en las últimas décadas.
El futuro distópico de la idiocracia
Idiocracia, estrenada en 2006, cuenta la historia de dos personas que participan en un experimento militar de alto secreto de hibernación humana. Se despiertan 500 años después en una sociedad distópica. El antiintelectualismo y el mercantilismo han desplazado la curiosidad intelectual, la responsabilidad social y las nociones coherentes de justicia y derechos humanos.
Es otra joya escondida de Mike Judge. La película ofrece una mirada satírica a una versión exagerada de Estados Unidos donde todos, incluidos los legisladores y funcionarios gubernamentales, son unos completos idiotas. Etan Cohen, quien coescribió la película con Judge, señaló recientemente que el mundo de la Idiocracia se había vuelto demasiado real. “Nunca esperé que Idiocracia se convirtiera en un documental”, dijo Cohen.
Terry Crews ofrece una actuación memorable como el presidente Dwayne Elizondo Mountain Dew Herbert Camacho. La película nunca recibió un gran estreno en cines. En cambio, encontró un culto generalizado en los años posteriores. A pesar de la falta de notoriedad inicial, vale la pena buscar Idiocracia. Sirve como una descripción sorprendentemente precisa del futuro.
La caída de la industria en Tropic Thunder
Ben Stiller, Jack Black, Robert Downey Jr., Jay Baruchel y Brandon T. Jackson protagonizan Tropic Thunder (2008). Interpretan a un grupo de actores prima donna que hacen una costosa película sobre la guerra de Vietnam. El personaje de Ben Stiller, Tugg Speedman, es una superestrella de acción mimada que se dirige al sudeste asiático para la película de guerra más grande jamás producida.
Cuando comienza el rodaje, el equipo se encuentra inesperadamente en el Triángulo Dorado, hogar de una despiadada banda de productores de heroína. Deben convertirse en verdaderos soldados. La ridícula premisa sirve de telón de fondo para un desmantelamiento satírico de la industria cinematográfica. Se centra específicamente en el uso de actores de renombre para inspirar compasión simplemente como medio de elogio.
El ataque a los métodos establecidos de Hollywood está bien elaborado y es hilarante. Los críticos en general elogiaron los personajes, la historia, los avances falsos y las actuaciones de Stiller, Downey, Black y Tom Cruise. Sin embargo, la película enfrentó críticas por su descripción satírica de los discapacitados mentales y el uso de maquillaje negro. Sigue siendo una entrada compleja en el género.
6. WALL-E (2008)
WALL-E de Disney-Pixar no es exactamente una sátira a gritos. Parece una dulce historia de amor entre dos robots. Pero mira más de cerca. El planeta Tierra no es más que un montón de basura. Décadas de abuso convirtieron el hogar que conocemos en un terreno baldío. Los humanos huyeron en naves espaciales. Pasan los siglos. WALL-E se queda atrás. Él limpia la basura. Espera que la gente regrese.
Los humanos que quedan son diferentes. Obeso. Perezoso. Flotando en sillas. Comen, beben y miran pantallas todo el día. No se requiere esfuerzo. La automatización lo hace todo. La película exagera este exceso. Muestra un futuro donde el desperdicio es la única constante.
¿Fue esto una advertencia? ¿O simplemente una predicción?
A los críticos les encantó. El público también lo hizo. La película recaudó más de 530 millones de dólares. Obtuvo una nominación al Premio de la Academia a la Mejor Película Animada. El mensaje medioambiental es claro. La historia es profunda. No se trata sólo de un lindo robot que busca el amor. Se trata de lo que dejamos atrás.
5. ¡Avión! (1980)
Las películas de desastres fueron muy populares en los años 60 y 70. La serie Airport generó toneladas de dinero. Airport ’79 fue tan cursi que se comercializó como una comedia. ¡Eso dio el salto a Avión! fácil.
El esqueleto de la historia provino de Hora Cero. Una película seria de 1957. ¡Pero avión! No tenía casi nada en común con él además de los puntos de la trama. Era una parodia del género. David y Jerry Zucker lo escribieron y dirigieron. Jim Abrahams coescribió. Robert Hays y Julie Hagerty protagonizaron. Leslie Nielsen robó escenas. También estuvieron presentes Robert Stack, Lloyd Bridges, Peter Graves, Kareem Abdul-Jabbar y Lorna Patterson.
El humor es surrealista. Payasadas de ritmo rápido. Juegos de palabras visuales. Bromas verbales. Efectos de sonido de hélice para un avión a reacción. ¿Por qué no? Es ridículo. Es absurdo. Y sigue siendo divertido casi cuarenta años después. Estarás en puntadas.
4. Red (1976)
Network salió a la luz hace más de cuatro décadas. Es una sátira política. Pero ahora parece más relevante que nunca. El clima político actual coincide con las predicciones de la película. Paddy Chayefsky lo escribió. Sidney Lumet la dirigió.
La historia trata sobre una cadena de televisión ficticia. USB. Están luchando. Las calificaciones han bajado. Necesitan ser relevantes. Desesperadamente. La película predijo hacia dónde irían los medios de comunicación. Mostró el giro hacia el sensacionalismo. Faye Dunaway, William Holden, Peter Finch y Robert Duvall protagonizaron. Wesley Addy, Ned Beatty y Beatrice Straight desempeñaron papeles secundarios.
Los críticos lo elogiaron. En 2007, el American Film Institute la clasificó en el puesto 64 de la lista de las 100 mejores películas estadounidenses. Es una película maravillosa. No debería perdérselo. Pero a menudo se ve eclipsado por películas que ocupan puestos más altos en listas como ésta. Aún así, su visión de la manipulación de los medios es aguda. Y preciso.
3. Dr. Strangelove o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba (1964)
Stanley Kubrick nos regaló una de las mayores sátiras políticas de 1964. Es una comedia negra. Satiriza el miedo nuclear durante la Guerra Fría. Estados Unidos y la URSS estaban al filo de la navaja. Peter Sellers y George C. Scott protagonizaron. Sterling Hayden, Keenan Wynn y Slim Pickens completaron el conjunto.
Los vendedores desempeñaron tres papeles. Un oficial de cambio de la RAF británica. El presidente de los Estados Unidos. Y el Dr. Strangelove. El personaje titular. Un experto en guerra nuclear en silla de ruedas. Un ex nazi. Él se roba el show.
Un general desquiciado de la Fuerza Aérea ordena un ataque nuclear contra la Unión Soviética. El presidente y sus asesores entran en pánico. Intentan recordar a los atacantes. Fallan. La película es considerada una de las mejores de todos los tiempos. Está en el Registro Nacional de Cine. Es muy citable. “¡Caballero, no pueden pelear aquí! ¡Esta es la Sala de Guerra!”
2. Esto es punción lumbar (1984)
Este falso documental sigue a una banda de rock británica ficticia. Grifo espinal. Los músicos son indignantes. No se dan cuenta de lo ridículos que son. Se meten en situaciones absurdas. Cada escena es memorable.
Incluso las personas que no lo han visto conocen el amplificador que llega hasta 11. No 10. 11. O el concierto con personitas bailando alrededor de un Stonehenge en miniatura.
La película satiriza el comportamiento de las bandas de rock. Se burla de las pretensiones musicales. Se burla de documentales de rock como Gimme Shelter, The Song Remains the Same y The Last Waltz. La mayor parte del diálogo fue improvisado. El resultado fueron decenas de horas de metraje.
Debutó con críticas tibias. Pero el público se dio cuenta. La sátira fue brillante. Se convirtió en un favorito de culto. Rápido.
El sheriff negro que arruinó el género occidental
Mel Brooks no sólo hizo una comedia en 1974. Hizo una granada envuelta en un sombrero de vaquero. Blazing Saddles es el tipo de película que se siente menos como entretenimiento y más como una intervención para la conciencia colectiva de Hollywood. Dirigida por el propio Brooks, la película está protagonizada por Cleavon Little y Gene Wilder en papeles que eran, en ese momento, prácticamente impensables para el cine convencional.
La trama es engañosamente simple, y ahí suele estar el peligro. Harvey Korman interpreta a Hedley Lamarr, un fiscal general corrupto con olfato para los problemas y peor sentido del olfato. Quiere destruir la idílica (y enteramente blanca) ciudad de Rock Ridge. ¿Su solución? Nombrar al primer sheriff negro de Occidente. Su lógica es retorcida pero clara: el pueblo rechazará al hombre, el pueblo se desmoronará y Lamarr podrá comprar la tierra por unos centavos de dólar.
Entra Bart.
Interpretado por Cleavon Little, Bart no es sólo un trabajador ferroviario que busca trabajo. Es una fuerza de la naturaleza de lengua afilada y políticamente inteligente. En lugar de desmoronarse bajo el racismo de Rock Ridge, Bart pone la ciudad del revés. Se convierte en el adversario más molesto y eficaz de Lamarr. La sátira aquí es nítida. Apunta al mito del Oeste americano, la versión desinfectada que se vende al público, exponiendo el racismo que el género suele pasar por alto o romantizar.
La película no sólo generó dinero. Hizo una declaración. Tras su lanzamiento, fue un favorito de la crítica y obtuvo tres nominaciones al Premio de la Academia. Pero su legado va más allá de los elogios. En 2006, la Biblioteca del Congreso intervino. Consideraron que Blazing Saddles es cultural, histórica y estéticamente significativa. Fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine.
¿Por qué importa ahora? Porque los mitos que derribó todavía se están reconstruyendo. La película sigue siendo un referente de la comedia satírica del oeste, demostrando que puedes reír mientras desmantelas décadas de propaganda de Hollywood. No es sólo un clásico. Es necesario.
Es posible que la ciudad de Rock Ridge haya desaparecido. Los prejuicios específicos de los años 1970 han evolucionado, aunque obstinadamente. Pero la pregunta que plantea Blazing Saddles (sobre quién cuenta la historia y quién se convierte en el héroe) nunca desaparece. Bart gana el día. El pueblo cambia. ¿Pero el sistema? El sistema sigue buscando formas de nombrar otro sheriff que pueda controlar.
