La plupart des gens considèrent les chansons fantaisie comme des gadgets éphémères. C’est l’équivalent musical d’un tour de magie : impressionnant la première fois, déroutant la seconde. L’hypothèse est simple. Un morceau devient viral ou atteint la première place parce qu’il ne ressemble en rien à ce qui passe déjà à la radio. C’est différent. Unique.
Mais le caractère unique a une date d’expiration. Une fois que vous l’avez entendu, ce n’est plus qu’un autre son.
Pourtant, ce licenciement passe à côté d’un point crucial. De nombreux succès qualifiés de nouveautés par l’industrie du disque étaient en réalité des précurseurs. Il s’agissait de vols d’essai pour de nouveaux styles musicaux que l’establishment n’était pas prêt à prendre au sérieux jusqu’à ce qu’ils soient présentés comme des blagues.
L’âge d’or des disques de bandes dessinées
Dans les années 1950, nouveauté rimait avec comédie. La tradition remonte aux succès du music-hall britannique comme « Laughing Policeman ». Mais l’après-guerre a apporté une saveur d’humour spécifique sur les ondes.
Des disques comme « Purple People Eater » de Sheb Wooley (1958) ou « The Flying Saucer » de Bill Buchanan et Dickie Goodman (1956) se vendaient massivement. Ils ont travaillé parce qu’ils faisaient la satire du chaos émergent du rock and roll. Des comédiens comme Stan Freberg et Peter Sellers utilisaient déjà ce médium pour se moquer de l’énergie brute du nouveau genre. C’était une satire musicale visant les perturbations provoquées par le rock.
Les nouveautés à succès sont uniques ; la deuxième fois, le son n’est plus nouveau.
Le marché s’est toutefois effondré après cette décennie. Trois facteurs spécifiques ont tué le disque de la blague.
Premièrement, le marché de la musique pour enfants a changé. Chanter des personnages de dessins animés comme Les Chipmunks ou Les Wombles comblait un vide. Mais à la fin des années 1950, les enfants sont devenus des « mini-adolescents ». Leurs goûts divergeaient de ceux de leurs parents et des studios. L’attrait des groupes de dessins animés s’est limité à un public de niche.
Deuxièmement, les industries de la comédie et de la musique se sont divisées. Les comédiens sont passés de la radio à la télévision. Des émissions comme Monty Python’s Flying Circus, Les Simpsons et Beavis and Butt-head ciblaient les jeunes. Mais la production musicale de ces programmes s’est rarement croisée. Il n’a pas été diffusé. Il ne vendait pas de disques. La synergie était rompue.
Troisièmement, la parodie a perdu son mordant. Dans les années 1950, les parodies de rock étaient acerbes car méprisantes. Le point de vue de Stan Freberg sur Elvis était une critique. Comparez cela à l’hommage de « Weird Al » Yankovic à Michael Jackson dans les années 1980. Ce dernier était affectueux. Ce n’était pas mordant. Le rock était devenu la forme dominante de la musique populaire. On ne peut pas se moquer du roi quand on vit dans son château.
Sons exotiques et nouveautés instrumentales
Toutes les chansons originales n’étaient pas drôles. Certains étaient tout simplement étranges.
Considérez les classements britanniques lors de la Coupe du monde. Ils se remplissent de chansons liées au football. Ce sont des nouveautés, certes, mais elles reflètent des événements non musicaux plutôt qu’une rupture de style musical.
Ensuite, il y a les nouveautés instrumentales. « Telstar » des Tornadoes (1962) présente de nouveaux sons électroniques. C’était une curiosité technique.
C’est dans cette deuxième catégorie que l’histoire devient intéressante. Les succès « exotiques » ont parcouru le monde pour atteindre les oreilles des radios occidentales. C’étaient des nouveautés parce qu’elles semblaient étrangères.
- « Tom Hark » d’Afrique du Sud, sorti en 1957.
- « Sukiyaki » du Japon a atteint la première place en 1962.
Les genres spécialisés ont également trouvé un attrait pop inattendu à travers cette lentille. Le standard de jazz « Take Five » de Dave Brubeck (1961) a été traité comme une curiosité. La performance artistique de Laurie Anderson « O Superman » (1981) a été un succès en matière de nouveauté.
En termes pop, ces disques restent des nouveautés. Leur succès commercial n’a laissé aucune trace dans l’histoire de la pop. Les artistes n’ont pas changé leurs trajectoires. Il s’agissait de cas isolés.
La stratégie du cheval de Troie
Mais certaines chansons changent. Ce qui commence comme une nouveauté finit par normaliser un genre.
Cela reflète la manière dont les médias et les maisons de disques gèrent les nouveaux phénomènes. Ils le simplifient. Ils le présentent sous forme de bande dessinée pour le rendre agréable au goût.
Le ska a été vendu à un public américain blanc grâce à « My Boy Lollipop » de Millie Small (1964). Le disco a été introduit via « Disco Duck » de Rick Dees (1976). Le hip-hop est arrivé dans le courant dominant avec « Rapper’s Delight » du Sugarhill Gang (1979).
Ces chansons étaient des points d’entrée. Ils ont permis aux radios et aux maisons de disques de vendre ces genres avec un filet de sécurité humoristique. Si la musique elle-même était trop stimulante ou étrangère, la blague la rendait sûre.
Les nouveaux genres musicaux sont souvent mieux vendus sous forme de bande dessinée simplifiée.
Il y a un autre facteur en jeu ici. À mesure que les gens apprennent la langue ou le rythme, la particularité s’estompe. Une chanson qui semble étrange au départ cesse de le faire. Cela devient normal.
C’est ainsi que les chansons fantaisie ont joué un rôle important dans l’histoire de la musique rock. Ils ne sont pas seulement du remplissage. Ils sont le terrain d’essai.
On le voit dans les réactions des médias à chaque nouvelle vague. Presley a été amené à chanter pour un vrai chien de chasse à la télévision. Jimi Hendrix a été obligé de jouer de la guitare avec ses dents pour prouver qu’il « jouait » correctement. Ce sont des moments de normalisation. L’industrie essaie d’imposer de nouveaux sons dans de vieilles boîtes.
Les chansons originales survivent parce qu’elles sont flexibles. Ils peuvent être une blague. Ils peuvent être une curiosité étrangère. Ils peuvent être une passerelle.
Nous les traitons encore aujourd’hui comme des nouveautés. On se demande encore pourquoi une chanson est populaire si elle est si différente. Mais c’est souvent la différence qui fait la différence. La nouveauté est le crochet. La musique en dessous est la substance.
C’est un point d’entrée. Et parfois, seul le point d’entrée compte.
Le reste suit. Ou ce n’est pas le cas. C’est le pari.
