Die Musikgenres, die verschwunden sind: Vom Disco-Abriss bis zum Ende des Britpop

Wir bezeichnen uns kaum noch anhand unserer Playlists. Man trifft niemanden auf einer Party und muss sofort wissen, ob er zum Team Rock oder zum Team Jazz gehört, um seinen Wert zu bestimmen. Dieser strenge Tribalismus ist verschwunden. Jahrzehntelang war jedoch Ihr Musikgeschmack Ihr sozialer Ausweis.

Nehmen wir die späten 1970er Jahre. Die Hitze der Rock-gegen-Disco-Debatte hing in der Luft. Es ging nicht nur um den Klang; es ging um Identität. In den letzten 50 Jahren hat jede dominante Welle eine Gegenwelle hervorgebracht. Der 90er-Jahre-Grunge entstand nicht im luftleeren Raum; Es war eine direkte, wütende Reaktion auf den glitzergetränkten Glam-Rock der 80er Jahre. Manche Stile haben Durchhaltevermögen. Rock, Hip-Hop, R&B und Reggae haben Wurzeln, die tief im kulturellen Urgestein reichen. Sie gehen nirgendwo hin. Aber andere? Sie brennen hell und verschwinden schnell. Dabei handelt es sich um zwölf Musikgenres, die in den letzten fünf Jahrzehnten praktisch ausgestorben sind.

12. Glamouröser Metal

Glam-Metal war laut, glänzte und wurde weitgehend durch das definiert, was man sah, nicht durch das, was man hörte. Stellen Sie sich toupiertes Haar vor, das groß genug ist, um der Schwerkraft zu trotzen, Make-up, das schwerer ist als das einer Drag Queen, und Kleidung, die nach Aufmerksamkeit schrie. In der Post-MTV-Ära übertraf das Bild oft die Substanz. Das Rampenlicht des Genres war kurz und brannte etwa von 1983 bis 1990 hell, bevor es verging.

Als Subgenre des Heavy Metal entlehnte es die Ästhetik des Glam Rock der 1970er Jahre, kombinierte sie jedoch mit Pop-beeinflussten Hooks und eingängigen Gitarrenriffs. Es handelte sich um Metall, das für den Massenmarkt hergestellt wurde. Doch die frühen 90er brachten einen kulturellen Wandel mit sich. Nirvana und Pearl Jam haben nicht nur Alben veröffentlicht; Sie brachten Grunge und Alternative Rock in den Vordergrund. Die Gegenkultur forderte Authentizität statt Künstlichkeit. Der Überschuss an Glam-Metal wirkte plötzlich billig.

Bands wie Poison, Skid Row, Cinderella und Warrant waren die Gesichter dieser Ära. Einige schafften es, das nächste Jahrzehnt zu überleben, indem sie sich von Make-up befreiten und einen härteren, düstereren Sound annahmen. Mitte der 2000er Jahre kam es zu einem kurzen Wiederaufleben, wobei Bands wie The Darkness und Steel Panther einige Jahre lang aufsehenerregende Erfolge feierten, aber die ursprüngliche Welle ist schon lange tot.

11. Disco

Disco begann nicht als Mainstream-Phänomen. Es entstand in den frühen 1970er Jahren im städtischen Nachtleben, insbesondere in schwarzen, lateinamerikanischen und LGBTQ+-Gemeinschaften. Mitte der 70er Jahre hatte es jedoch die Oberhand gewonnen. Acts wie Donna Summer, Chic und Gloria Gaynor dominierten den Äther. Die Clubs waren voll mit Tänzern, die Bump und Hustle aufführten. Im Sommer 1979 schien es, als würde die Disco niemals enden. Der von den Bee Gees angeführte Soundtrack zu „Saturday Night Fever“ war gerade bei den Grammys als Album des Jahres ausgezeichnet worden.

Radiosender in ganz Nordamerika begannen, auf reine Disco-Formate umzusteigen. Sie wollten von der Modeerscheinung profitieren, oft auf Kosten des Rock’n’Roll. Diese Monopolisierung der Funkwellen löste eine Gegenreaktion aus.

In Chicago sah DJ Steve Dahl eine Gelegenheit zur Rache. Er organisierte im Comiskey Park eine Veranstaltung mit dem Titel „Disco Demolition“. Fans könnten für 1 Dollar reinkommen, wenn sie eine Disco-Schallplatte zur Zerstörung mitbringen würden. Die Beteiligung war riesig. Nachdem die White Sox den Doubleheader verloren hatten, explodierte eine Kiste voller Disco-Schallplatten auf dem Rasen im Außenfeld. Scherben flogen in die Menge. Es war ein Spektakel, eine symbolische Verbrennung des Genres. Dieses vielbeachtete Ereignis markierte den Anfang vom Ende der Mainstream-Dominanz der Disco.

10. Grunge

Grunge war mehr als Musik. Es war eine Subkultur. Es entstand in den späten 80ern und frühen 90ern im pazifischen Nordwesten, insbesondere in Seattle, als direktes Gegenstück zu den Glam-Rock-Exzessen des vorangegangenen Jahrzehnts. Bands wie Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains und Soundgarden waren die Pioniere dieses Sounds. Es kombinierte das schnelle Tempo und die kraftvollen Akkorde des Punkrocks mit der Härte des Metal.

Der charakteristische 90er-Jahre-Sound bestand aus verzerrten E-Gitarren und Gesang, die einige Kritiker als „hässlich“ bezeichneten. Es war roh. Die Texte waren düster, voller Angst und gaben einer Generation ein Ventil für ihre Frustration über die Gesellschaft. Es wurde schnell zum Mainstream, und in ganz Amerika tauchten neue Bands auf, die versuchten, den Seattle-Sound zu reproduzieren.

Dann kam das Jahr 1994. Der Tod von Kurt Cobain erschütterte die Bewegung. Ohne sein wichtigstes Aushängeschild könnte sich Grunge nicht erholen. Es begann ein langsamer, unvermeidlicher Niedergang. Bands wie Pearl Jam und Soundgarden hielten länger durch, indem sie ihren Sound und ihr Image weiterentwickelten, aber die Ära war vorbei. Mit dem kürzlichen Tod von Chris Cornell von Soundgarden steht Eddie Vedder allein als letzter überlebender Frontmann dieser speziellen Szene in Seattle da. Das Genre ist praktisch verschwunden.

9. Pop-Punk

Pop-Punk entsteht, wenn man das schnelle Tempo und die kraftvollen Akkorde des traditionellen Punks mit Pop-Melodien, Gesangsstilen und Refrains verbindet. Es ist schwierig, den Begriff auf ein bestimmtes Entstehungsdatum festzulegen, aber Pop-beeinflusster Punkrock existiert seit Mitte bis Ende der 1970er Jahre, wobei Bands wie die Ramones den Grundstein legten.

Das Genre erreichte Mitte der 90er Jahre den Mainstream. Green Day and the Offspring schafften den Durchbruch, verkauften Millionen von Platten und dominierten Radio und Fernsehen. Sie machten Punk für Vorstadt-Teenager schmackhaft. In den späten 90ern sorgten Bands wie Blink-182 und Sum 41 für Partyhymnen. Sie nahmen ein lustiges, unbeschwertes Bild an. Es war ein starker Kontrast zu dem übermäßig melancholischen und ernsten Sound vieler früherer Punkbands.

Doch Mitte der 2000er Jahre begann der Mainstream-Erfolg des Pop-Punk zu schwinden. Es wurde schließlich durch die zunehmende Popularität des Emo-Rocks verdrängt. Für diejenigen, die in den 90ern aufwuchsen, war Pop-Punk der Soundtrack ihrer Jugend. Es bleibt ein wesentlicher Teil ihrer Erinnerungen, aber als aktuelles, dominierendes Genre? Es ist größtenteils ein Relikt der Vergangenheit.

8. Britpop

Britpop war eine in Großbritannien ansässige Musik- und Kulturbewegung. Es entstand hellerer, eingängigerer Alternative-Rock, der als direkter Kontrast zur kantigeren, düstereren Musik der US-Grunge-Szene diente. Das Genre erfreute sich Mitte der 1990er Jahre großer Beliebtheit und konzentrierte sich stark auf „Britishness“.

Die „Big Four“ der Bewegung waren Oasis, Blur, Suede und Pulp. Diese Bands ließen sich vom Rock der 1960er Jahre in England inspirieren und vermischten ihn mit Alternative-Rock-Trends, um einen einzigartigen Sound zu schaffen, der weltweite Popularität erlangte. Es war ein kultureller Moment, nicht nur ein musikalischer.

Aber seine Lebensdauer war kurz. Die meisten Historiker gehen davon aus, dass der Höhepunkt des Genres zwischen 1993 und 1997 lag. Die Jahre 1994 und 1995 erreichten ihren Höhepunkt mit dem Chart-Kampf zwischen Blur und Oasis, der als „The Battle of Britpop“ bezeichnet wurde. Es war Mediengold. Oasis war bis in die späten 90er Jahre weiterhin erfolgreich, doch interne Konflikte bremsten sie aus. Machtkämpfe zwischen den Brüdern Liam und Noel Gallagher schwächten den Schwung der Band. Im Jahr 2000 war das Genre so gut wie tot. Das kulturelle Gespräch war weitergegangen.

Die Nu-Metall-Explosion und ihre Folgen

Nu Metal kam nicht einfach so; Ende der 1990er Jahre stürzte es wie ein Güterzug in den Mainstream. Bands wie Korn, Limp Bizkit und Kid Rock machten Multi-Platin zu einem Standardmaßstab. Man kann nicht über diese Ära sprechen, ohne den Produzenten Ross Robinson zu erwähnen. Er ist der Typ, der das Genre aus Kellershows übernommen und auf Radio-Playlists geschoben hat. Der Ton? Eine chaotische Mischung. Es vermischte Alternative Rock, Rap, Funk und Punk mit Heavy Metal. Geben Sie Rage Against the Machine und Crazy Town in einen Mixer. Das Ergebnis waren wütende Texte, Gitarren, die absichtlich die Tonhöhe verfehlten, und Beats, die so verstärkt waren, dass einem die Brust zitterte. Es sprach direkt angsterfüllte Jugendliche an, die sich missverstanden fühlten.

Zu Beginn der 2000er Jahre verkaufte sich das Genre immer noch millionenfach. Papa Roach, Staind und P.O.D. hielt den Schwung aufrecht. Doch der Höhepunkt kam im Jahr 2000 mit Linkin Parks Hybridtheorie. Dieses Album wurde Diamant. Es folgte der Grunge-Welle der 90er Jahre und dominierte MTV und den Äther. Dann, so schnell wie es explodierte, verschwand es. Warum? Übersättigung. Der Markt war überflutet. Zu viele Bands versuchen, die Formel zu kopieren. Die Neuheit ließ nach. Die Wut wurde zur Ware und die Kultur entwickelte sich weiter.

Das anhaltende Echo von UK Garage

UK Garage, kurz UKG, wurde Anfang der 1990er Jahre in England gegründet. Es ist elektronische Musik, aber es ist mehr als das. Es ist eine Grundlage. Mehr als 20 Jahre später ist seine DNA immer noch im System. Der Sound umfasste Subbasslinien, Ragga-Gesang, Spin-Backs und umgekehrte Trommeln. Es blieb nicht in einem Silo. Es ging über in 2-Step, Bassline, Grime und schließlich Dubstep. Künstler wie Dizzee Rascal, Burial, Wiley und The Streets schöpften alle daraus. Man hört seinen Geist in ihrer Arbeit.

Noch heute ist sein Einfluss im Untergrund zu spüren. Neuere Künstler wie SBTKRT, Jacques Greene, Disclosure und CRST huldigen diesen Wurzeln. Aber es gab auch ein Wiederaufleben. Der Piratenradio brachte es wieder unters Volk. Auf Kurupt FM, das aus Brentford im Westen Londons sendete, waren MC Grindah und DJ Beats zu hören. Sie lieferten „Lyrical Blows to Your Jaw“ ab. Es war roh. Es war lokal. Es hielt den Geist am Leben, als die Charts es ignorierten. Das Genre ist nicht gestorben. Es hat einfach seine Form verändert.

Der Boyband-Zyklus

Eine Boyband zu definieren ist schwierig. Es handelt sich um eine Gesangsgruppe junger Männer, meist im Teenageralter oder Anfang Zwanzig. Der Begriff reicht bis in die Mitte der 1960er Jahre mit The Jackson 5 zurück. Später erweiterten R&B-Gruppen wie New Edition und Boyz II Men die Definition. Aber wenn man „Boyband“ sagt, denken die meisten Leute an die Backstreet Boys, *NSYNC und One Direction. Das Genre hat drei verschiedene Wellen. Die 1960er Jahre. Die 1990er und frühen 2000er Jahre. Die frühen 2010er Jahre.

In den 90er und 2000er Jahren verlagerte sich der Schwerpunkt. Tanzen und Aussehen zählten mehr als Gesangstalent. Das Produkt wurde verdünnt. Kritiker haben es nicht respektiert. Die Fans haben es trotzdem konsumiert. Es dominierte die Billboard-Charts. Dann entstand One Direction. Sie übernahmen die Formel und aktualisierten sie für eine neue Generation. Jetzt, wo sie aufgelöst sind, bleibt die Frage in der Luft. Ist das das Ende der Boyband? Oder nur eine Pause? Vielleicht haben wir den letzten von ihnen gesehen. Oder vielleicht warten wir nur darauf, dass die nächste Welle einbricht.

Die Küstenkälte

Jack Johnson und Donovan Frankenreiter haben eine bestimmte Stimmung populär gemacht. Ehemalige Surfer bringen den Strand ins Radio. Dieser Akustik-Rock-Sound erreichte 2005 seinen Höhepunkt. Johnsons „In Between Dreams“ erreichte Platz 2 der Billboard Top 200. Es wurde zum Soundtrack für alle, die von der Nordküste von Oahu, Hawaii, träumen. Die Musik war einfach. Akustische Gitarren. Sanfter Gesang. Ein reduzierter Ansatz in einer Zeit überproduzierten Pops.

Die Zuhörer wollten etwas Ruhiges. Etwas Echtes. Aber Trends halten nicht ewig. Das Genre des Küstenlebensstils verblasste. Die Albumverkäufe seiner Signature-Künstler gingen zurück. Akustische Musik ist nicht verschwunden. Es hörte einfach auf, das Hauptereignis zu sein. Der Drang nach Einfachheit ist immer noch da, aber der Markt hat sich dem nächsten glänzenden Objekt zugewandt. Johnson spielt immer noch. Frankenreiter veröffentlicht immer noch Musik. Doch der kulturelle Moment verging. Die Flut ging aus.

Aufstieg und Fall von Dubstep

Dubstep entstand Anfang der 2010er Jahre in London, seine Wurzeln reichen jedoch bis ins Jahr 1998 zurück. Es begann als B-Seiten für 2-Step-Garage-Singles. Dunklere Geräusche. Experimental. Weniger Gesang, mehr Atmosphäre. Es basiert auf Dub-Reggae und Jungle. Es integrierte Breakbeat- und Drum-and-Bass-Elemente in die britische 2-Step-Ästhetik. Der Stil ist instrumental. Es basiert auf Halbschrittrhythmen. Bass und Schlagzeug tragen das Gewicht.

Im Jahr 2010 überquerte es den Atlantik. Skrillex veränderte das Spiel. Seine EP „Scary Monsters and Nice Sprites“ erreichte Platz 3 der US Top 100 Dance Billboard. Diese Veröffentlichung war der Geburtsstein der nordamerikanischen Brostep-Bewegung. Es war aggressiv. Es war laut. Es prägte einige Jahre voller Festivals und Clubs. Aber jetzt, im Jahr 2018, ist das „Wub Wub“ weg. Im Radio hört man es nicht. Auf der Hauptbühne sieht man es nicht. Die Ära geht zu Ende. Der Bass ist jetzt leiser. Das Genre ist möglicherweise im Aussterben begriffen. Uns bleibt das Echo.

Die Ska-Blase platzt

Die Wurzeln reichen zurück nach Jamaika in den späten 1950er Jahren. Ska war der Vorläufer von Rocksteady und Reggae. Aber das Ska-Revival der dritten Welle? Das war ein eindeutig nordamerikanisches Phänomen. Mitte der 90er Jahre kam es kommerziell auf den Markt. Du hattest weniger als Jake. Rolle Big Fish. Früh, kein Zweifel.

Der Klang war nicht nur Nostalgie. Sicher, einige Bands hielten an der traditionellen Atmosphäre der 1960er Jahre fest. Die meisten taten es nicht. Es ging vor allem um dominante Gitarrenriffs und große Bläserabschnitte. Die erste Band, die die Barriere durchbrach, war Rancid. Die Mighty Mighty Bosstones waren in der Szene der frühen 90er riesig. Sie hätten beinahe die kommerzielle Welle mitbekommen, aber den großen Erfolg von „No Doubt“ und „Sublime“ verpasst.

Bis 1996 war Ska der dritten Welle einer der beliebtesten alternativen Musikstile in Nordamerika. Es war überall. Dann verschwand er, wie die meisten Trends auf dieser Liste. Im Jahr 2000 war der Spaß vorbei.

Warum Gangsta Rap seinen Einfluss verlor

In den 90er Jahren war Gangsta Rap die dominierende Kraft. N.W.A. hat es populär gemacht. Westküsten-Rapper wie Snoop Dogg, Ice Cube, Tupac und Dr. Dre starteten dort ihre Karriere. Die Texte handelten von Gewalt, Bandenleben, Kriminalität, Frauenfeindlichkeit und Homophobie. Es war roh. Es war echt. Mitte der 2000er Jahre war es ebenfalls veraltet.

Das neue Jahrtausend brachte einen anderen Klang. Erpel. Kanye West. Eminem. Diese Künstler verdrängten die alte Garde.

Schauen Sie sich Compton, Kalifornien an. Die beliebteste Figur aus Compton ist nicht mehr Ice Cube oder Dr. Dre oder The Game. Es ist Kendrick Lamar. Compton ist nicht mehr die verfallende innerstädtische Gefahrenzone, die im 90er-Jahre-Rap dargestellt wird. Die Gewalt in ganz Amerika ist zurückgegangen. Die Kultur hat sich verändert.

Der Sound der 90er entwickelte sich zu Partyhymnen der 2000er. Reime über Autos, Geld, Drogen und Frauen übernahmen die Oberhand. Heutzutage gibt es viele Titel, die gemeinsame Themen aus dem Gangsta-Rap der 90er Jahre enthalten. Das Genre ist verblasst. Für Hip-Hop-Fans ist es zu einer Form der Nostalgie geworden.

Der Sound der 90er verlagerte sich in Partyhymnen und Reime der 2000er über Autos, Geld, Drogen und Frauen.

Ist die Aggression weg? Nein. Es ist nur anders verpackt. Die spezifische Art von Gangsta-Rap, die ein Jahrzehnt prägte, ist heute ein Relikt. Ein Stil. Eine Stimmung. Keine Bewegung.

Die Hornsätze hörten auf zu blasen. Der Gangsta-Rapper hörte auf, über den Block zu rappen. Die Fans blieben in Bewegung. Die Musik folgte einfach.