Нерідко на своїх полотнах художник не просто відображає якусь сцену, а й передає через неї послання, свій погляд на світ і ставлення до нього. Іноді сенс цього повідомлення зчитується досить легко, а часом доводиться шукати виразні деталі і інтерпретувати їх.

Ми в adme.ru вирішили пильно вдивитися в роботи відомих художників, якими вони сказали набагато більше, ніж нам здавалося на перший погляд.

П’єр огюст ренуар, «портрет актриси жанни самарі»

П’єр огюст ренуар вважав, що живопис може приносити радість, і тому його роботи сповнені відчуття легкості і безтурботності. В історії мистецтв він відомий як «художник щастя».

Знаковою картиною майстра є»портрет актриси жанни самарі». Вона була однією з його улюблених моделей, і на цьому полотні він хотів відобразити короткий момент зустрічі з нею і своє враження. Ренуар спробував передати кращі риси дівчини: її витонченість, розум, відкритість і невимушеність. жанна виглядає одночасно і задумливою, і щасливою: зверніть увагу на пустотливе вираз очей, таємничу напівуслабку . Від картини так і віє жіночністю і свіжістю. Глибокий погляд з вологим блиском контрастує з ніжним кольором шкіри і злегка розпатланим волоссям. Створюється відчуття, що художник відобразив випадково спійману мить.

Едуар вюйар, «інтер’єр. Мати і сестра художника »

© album / joseph martin / east news

Французький живописець, декоратор і гравер едуар вюйар нерідко малював своїх персонажів в інтер’єрі. Часто на його полотнах зображені побутові сцени: жінки за роботою, вдома, в саду. Ось і на цій картині героїні, мати і сестра вюйара, показані глядачеві у своїй звичній обстановці — вдома.

Зверніть увагу на простір: його майже немає, картина викликає відчуття тісноти. Місце є тільки для однієї людини — для дами в чорному, але тут змушені тіснитися і дівчина, і сам глядач. Мати владно сидить посередині кімнати, в той час як її дочка практично втиснулася в стіну. Щоб перебувати тут, вона пригинає голову, як ніби інакше вдариться об стелю. Забарвлення сукні дівчини як би поглинається візерунком шпалер, ніби вона намагається злитися з кімнатою, зробитися непомітною. Сукня матері ж, навпаки, виділяється яскравою чорною плямою.

Картина є однією з найзухваліших робіт вюйара: настільки вона інтимна, особиста. художник фактично виносить сміття з хати, виставляючи напоказ те, що відбувається у нього вдома : свою деспотичну матір, яка придушувала своїх дітей, і ставлення до неї.

Леон фредерік,» три сестри »

© léon frédéric / the three sisters / wikimedia commons

Бельгійського художника леона фредеріка відносять до представників символізму. Його ранні роботи сповнені містицизму, а пізніші відображають соціальні проблеми.

Картина «три сестри» вражає своїми персонажами: перед нами 3 дівчинки, які в червоних сукнях чистять картоплю. Дівчатка охайні, їх сукні виглядають майже ошатно, але з-під них стирчать поношені грубі черевики. Та й картопля-основна їжа фермерів, а не аристократії. Сама обстановка підказує, що навряд чи це багатий будинок. Але не вписуються в цю обстановку сукні абсолютно збивають з пантелику.

Шкірка картоплі приковує увагу: вона досить ретельно промальована і нагадує мереживо. Знаючи про тяжіння художника до містицизму, можна припустити, що тут в образі дівчаток зашифровані мойри — 3 богині-сестри, які «прядуть» людську долю. Цю здогадку підтверджують і закриті очі дівчаток: вони висловлюють повну байдужість до результатів своєї праці.

Артур хьюз, «квітнева любов»

Під час першого показу артур хьюз супроводив цю роботу рядками з вірша альфреда теннісона «дочка мельника». У них йдеться про минуле кохання, про жаль про неї. Картина не була ілюстрацією до вірша, навпаки, це воно повинно було посилити враження і підказати глядачеві, який сенс в неї вклав автор.

На полотні зображена молода пара в переломний момент. Фігура чоловіка ледь видно, його голова визирає з-за дівчини. Вона ж відвернулася і дивиться на впали на підлогу пелюстки квітів. Прерафаеліти часто використовували в своїх роботах символічні елементи. Плющ, наприклад, означав вічне життя, а троянди — любов. Тут же пелюстки розкидані по підлозі , а значить , роман закінчився .

Фріда кало, «автопортрет з маленькою мавпочкою»

© erich lessing / album / east news

Мексиканська художниця відома своїми численними автопортретами. Вона говорила:»я малюю себе, тому що часто буваю одна, і я — предмет, який я знаю найкраще». Кало розробила власний стиль, черпаючи натхнення в культурі своєї країни. Її роботи наповнені яскравими кольорами і символами. Вона часто зображувала себе з тваринами: вони замінювали їй дітей, яких у неї не було. Нерідко на її полотнах фігурує мавпочка, яку вона вважала символом ніжності і захисту.

Ось і на цьому портреті фріда з мавпочкою, яка обіймає її ззаду. А на руках у дівчини лежить її лиса собака сеньйор ксолотль, названа на честь ацтекського бога вогню і блискавок. Ззаду зображений доколумбівський ідол ацтеків. Стрічка, схожа на лозу винограду, обплітає всіх персонажів і пов’язує їх. Зверніть увагу: один її кінець закінчується підписом художниці, а інший обвивається навколо цвяха, який ніби прибиває фон — хмари.

Є думка, що на цьому полотні кало відобразила свій глибокий інтерес до зв’язків світу людини і природи. своїм вбранням, зачіскою і зображенням ідола вона підкреслює єдність зі своєю країною, а надаючи місцями своєму волоссю схожість з шерстю тварин — — і з природою . Також є інша версія трактування картини: стрічка — це лінія життя, що з’єднує кало з минулим, сьогоденням і майбутнім.

Голландсько-бельгійський художник петрус ван шендель відомий своїми картинами, на которихв якості джерел світла малював тільки свічки і тьмяні вогники. Мізерно освітлена ринкова площа з часом стала його улюбленим місцем дії, адже саме там він міг показати абсолютно різних людей разом.

На картині «ринок при свічках» на передньому плані зображена торговка апельсинами. Вона втомлено дивиться на глядача. Але шовковий чепець і перлинні сережки видають її: навряд чи вона так проста . Можливо, колись жінка була багата, а тепер їй доводиться працювати. Ось і героїня на задньому тлі помітила її і з подивом дивиться: можливо, вона її впізнала. Придивимося до фігури жінки: разом з коромислом вона утворює хрест. Можна розглянути це як натяк на те, що на її долю випали випробування і вона змушена нести свій хрест.

Жорж сера,» недільний день на острові гранд-жатт »

© georges seurat / a sunday afternoon on the island of la grande jatte / wikimedia commons

На своїй найбільшій картині сірка намалював відпочиваючих в парку парижан. На перший погляд здається, що кожен з присутніх зайнятий своєю справою: хтось ловить рибу, хтось дивиться вдалину, в’яже, грає на трубі. Але зверніть увагу: всі фігури статичні, вони ніби завмерли в очікуванні. Майже всі зображені боком до глядача, чому нагадують іграшкових солдатиків.

І хоча сам художник стверджував , що прагнув лише показати сучасних йому жителів, як ніби вони зображені на давньогрецьких барельєфах , багато як і раніше шукають в цьому полотні приховані смисли.

Наприклад, деякі вважають, що тут відображено напругу, що виникає між городянами різних соціальних класів. Вони зібралися в одному місці, але не спілкуються і не взаємодіють. А дівчинка в центрі картини-єдиний персонаж, що дивиться прямо на глядача — — на думку критиків, є втіленням німого питання: «що буде з цими людьми?»

Клод моне,» дама з парасолькою «(»прогулянка»)

© claude monet / woman with a parasol – madame monet and her son / wikimedia commons

На цій картині клод моне зобразив прогулянку своєї дружини камілли і сина жана в літній вітряний день. Робота є однією з найбільш впізнаваних. Унікальність її в тому, що це не просто портрет або пейзаж, а і те і інше разом. Особи героїв знаходяться злегка на віддалі, вони намальовані мазками, намічені лише загальні риси. Дама з парасолькою і хлопчик стоять на узвишші. Ми дивимося на них знизу вгору, що дає можливість показати більше простору зверху, неба.

Моне майстерно передав невловимість миті. Картина викликає занепокоєння: дама ніби привиділася нам, вона немов міраж, який ось-ось розсіється . Це враження підсилюєІ поза хлопчика: він статично стоїть на землі, опустивши руки. Жінка ніби щойно помітила, що хтось на неї дивиться, і обернулася. Її сукня рухається від цього повороту і від вітру разом з травою і квітами. Небо, як і земля, повно енергії, руху. Художник так змішав кольори, створив такі тіні і мазки, що сцена стала реалістичною і ми бачимо картинку, яка того й гляди зникне.

Пабло пікассо, «дівчинка на кулі»

«дівчинка на кулі» була написана пабло пікассо в» рожевий » період. На картині зображена група артистів бродячого цирку під час репетиції. Фокус тут на гімнастці, яка балансує на кулі, поруч з нею сидить міцний атлет. Ідея картини-зобразити чужих суспільству людей, пов’язаних один з одним. На перший погляд здається, що герої різко контрастують: тендітна дівчинка і м’язистий молодий чоловік. Вона балансує, він сидить. Вона — на кулі, він — на кубі. Вона намальована в блакитному кольорі, він — в рожевому.

Але варто придивитися, і стають помітними деталі, що зв’язують персонажів. Наприклад, ліва рука гімнастки вигнута під таким же кутом, що і ліва нога чоловіка. Колір його шорт перегукується з кольором її трико, а квітка у волоссі героїні — з його майкою.фігури акробатів як би врівноважують полотно. Хоча погляди артистів не перетинаються, здається, що вони можуть існувати тільки разом, їх пов’язує одна доля. якщо прибрати гімнастку, присутність сильного чоловіка буде безглуздим, а якщо не буде спортсмена , дівчинка втратить рівновагу , адже його нога ніби є опорою для неї. Тут також важливі персонажі на задньому тлі, без них композиція виглядала б незакінченою.

Кажуть, ця картина є індикатором настрою: кожен бачить в ній щось своє. Якщо ви щасливі, то побачите в ній щось добре-підтримку, взаємозв’язок. А якщо вам сумно, робота здасться похмурою.

Лукас кранах старший, «уста істини»

Цей шедевр німецького живопису епохи відродження можна віднести до числа найзначніших робіт кранаха, що знаходяться в приватних колекціях. Назва картини відсилає нас до знаменитої однойменної мармурової масці, що знаходиться в римі, яка виступала свого роду детектором брехні. Згідно з легендою, кожен, хто засуне руку їй в рот і солже, залишиться без руки.

Здається, ніби художник просто зображує сцену з відомої історії того часу. Суть його така. Одному сановнику доповіли, що дружина йому зраджує. Щоб з’ясувати, правда це чи ні, її привели до»вуст істини». Ошуканка ж намовила свого коханця переодягнутися в блазня, і, коли вона вже поклала руку в кам’яні уста, він доторкнувся до неї. Жінка заявила, що ніхто крім чоловіка і цього блазня її не чіпав. Тобто їй вдалося і обдурити, і сказати правду, рука залишилася неушкодженою.

На картині роль маски виконує скульптура лева з відкритою пащею. Але він намальований як справжній: того й гляди оживе. Тепер поглянемо на присутніх. Коханець у своєму вбранні схожий на біса. Судді збиті з пантелику і щось гаряче обговорюють. Дами ж явно зацікавлені. Швидше за все, вони знають, що зрада була, і їм просто цікаво, як жінка викрутиться. Поруч з ними стоїть обдурений чоловік, він напружено дивиться на руку дружини. А біля нього ми бачимо обличчя людини, якій ніби не вистачило місця на цій картині. Мабуть, він є ключовою фігурою. чоловік відкрив від подиву рот і дивиться прямо на глядача, ніби не може повірити, що ошуканці все зійшло з рук і нікого це особливо не хвилює . Можливо, автор цією роботою хотів сказати, що порок залишається безкарним, і це сумно.